DR. HICHCOCK RISES AGAIN

Hola.
Dos semanas sin escribir nada. Pero es que han sido unas semanas de locos, entre ocio y trabajo.
El ocio vino del Primavera Sound. Gracias a los que me disteis ideas para comprar vinilos, finalmente me acerqué a wah-wah, que ya hacía mucho tiempo que quería visitar. Me encantó el recinto del festival, pero encontré un público bastante más distante que el del FIB, por ejemplo.
De todos modos, varias actuaciones memorables sí que vimos.
La segunda semana, todo trabajo. Ni pude escribir ni pude visitar blogs amigos. En fin, a partir de esta semana creo que tendré más tiempo, por lo que intentaré ser más constante.
Proseguimos con una interesante entrevista.

PROGRAMACIÓN SEMANAL DE RCTV

Aquí teneis la programación para toda esta semana de Radio Caracas Televisión. Como podeis observar, una programación altamente subversiva.

Otro puñetazo a la libertad de expresión obra de un endiosado dictadorzuelo.

PRIMAVERA SOUND

Esta semana estaremos en Barcelona disfrutando del Primavera Sound. Por muchas cosas. Entre otras, por Gloria, Victoria y Jolene.



Gloria.



Victoria.



Jolene.


Por cierto, ¿alguien sabe de algún rastro donde poder comprar vinilos en Barcelona?
Gracias.

CINZIA MONREALE CONOCÍA EL SECRETO DEL EIBON

Recuerdo que uno de las muchas cosas que me llamaba la atención las primeras veces que vi “El más allá”, de Lucio Fulci era la actriz que interpretaba a Emily, la chica ciega. Era alta, rubia, de facciones bastante angulosas y guapa, muy guapa. Así que mirando los títulos de crédito, por fin descubrí que se llamaba Sarah Keller. Pues nada, a investigar que me puse para averiguar en qué otras películas podía verla. Y como a principios de los años ochenta, internet no estaba a nuestro abasto y el emule era algo tan utópico como el que Demi Moore haga una buena película, pues solo quedaban los libros y los video-clubs (benditos video-clubs en los que encontrabas todos los subproductos posibles: Sebastián D’arbó, Naschy, Alberto de Martino, Castellari... ahhh, qué tiempos). Y nada, no encontré nada de la tal Sarah Keller.

Unos años más tarde la volví a ver en la enfermiza “Demencia”, pero allí ya no había ninguna Sarah Keller. Y es que Cinzia Monreale únicamente utilizó ese seudónimo en la película de Fulci. Solo por su aparición en estas dos obras ya debería pasar a ser un icono del cinema bis.

Genovesa nacida en 1957 como Cinzia Moscone, hija de una cantante lírica, debutó bien pronto en el cine. Fue a los dieciocho años en “Ese movimiento que me gusta tanto” a las órdenes de Franco Rossetti. Se trata de la típica comedia erótica en la ella y la simpática Martine Brochard ponía el toque “sexy”. Aquí también debutaba el actor y realizador Carlo Verdone.

Después de participar en dos comedietas más a las órdenes de Vittorio Sindoni, se pone a trabajar con Lucio Fulci en el que sería su último western, “Sella d’argento”.

En ese mismo año 1978 tiene una breve aparición en “Bermudas: La cueva de los tiburones” (Tonino Ricci), con nuestra querida Janet Agren y es la principal intérprete femenina en “Zapatones” (Steno, 1979), comedia de acción al servicio del inefable Bud Spencer.

Al acabar este rodaje encadena los dos títulos que la la convertirían un mini-mito para el aficionado al fantástico más subterráneo. En “Demencia” (Joe D’Amato, 1979) interpreta un doble papel; por un lado el de la pobre chica que acaba embalsamada por amor, en una de las escenas más desasosegadoras que ha dado el cine; y por otro, el de su hermana. Una película muy querida por Cinzia, que la define como una bella historia de amor llevada al límite. Cierto, pero una historia de amor que abunda en imagenes realmente intranquilizadoras, como la del actor Kieran Canter (un desconocido que acabó haciendo porno y que al parecer no se llevaba demasiado bien con nuestra protagonista) haciendo el amor con una joven al lado del lívido cuerpo de Cinzia.

Dos años más tarde volvería con Fulci en una de sus películas más recordadas, “El más allá”. En ella da vida, como había comentado anteriormente, a Emily, una misteriosa joven ciega que habita un caserón abandonado junto con su perro, que a la postre, y a causa de la intervención de las fuerzas del mal, acabará con ella. La pobre Cinzia tuvo que soportar unas tremendas lentillas que le dejaron los ojos irritados todo lo que duró la confección del filme.

¿Y después de estas dos películas? Pues no demasiado, la verdad. Cinzia ha intervenido en numerosos telefilmes y en películas que, por supuesto, no se han estrenado en nuestro país. Y es que en los años noventa el cine italiano se ha visto sumido en una crisis de la que todavía no se ha recuperado. También ha hecho algo de teatro.

Eso sí, tanto D’Amato como Fulci vuelven a contar con ella para sendas películas. Fulci la contrata para su flojilla “La dolce casa degli horrori”, rodada para la televisión y en la que su presencia es la más destacable, sin ninguna duda, en un reparto bastante catastrófico. Por su parte, con D’Amato rueda “Ritorno dalla morte” (1991), la última película de terror que realiza antes de ponerse a dirigir porno tras porno con inusitado empeño. Conocida también como “Frankenstein 2000”, no he visto esta cinta, pero tiene un aspecto realmente risible.

Para completar la trilogía, tras haber trabajado con Fulci y D’Amato, lo hace también para Dario Argento en “La sindrome di Stendhal”, en la que interpreta a la madre del asesino.

Actúa también para Marco Ferreri en la desquiciada “Diario de un vizio” (1993) y vuelve a coincidir con Martine Brochard en en filme negro “La donna del delito” (Corrado Colombo, 2000), en la que se la ve en estupenda forma. Y eso que ya han pasado veinte años desde “El más allá”.

Una Lástima que no se la pueda ver más en pantalla grande, pues es una actriz con una gran presencia y muy solvente en cuanto a intepretación se refiere. De hecho, imparte clases de dicción a nuevos actores.

LA NOCHE DE LOS BRUJOS (AMANDO DE OSSORIO, 1973)

Con María Kosti, Jack Taylor, Simón Andreu, Kali Hansa, Loreta Tovar, Bárbara Rey y Joseph Thelman.

Entre templario y templario, el gallego Amando de Ossorio realizó esta curiosa peliculita para la Profilmes de Ricardo Muñoz Suay. La acción nos lleva a Bumbasa (?) en 1910, donde unos hechiceros pasan por el látigo a Bárbara Rey (aquí bajo el imaginativo seudónimo de Barbara King), la violan y la decapitan. Pero, ¡oh, sorpresa!, la cabeza desmembrada adquiere vida propia y colmillos pronunciados.

Después de los títulos de crédito pasamos al tiempo actual, esto es, a los setenta. Una expedición científica (o así) llega al mismo lugar donde los brujos, que fueron finalmente masacrados, cometían sus sacrificios. La ex mujer de Ángel Cristo se ha convertido en una mujer-leopardo, y los brujos salen cada noche de sus tumbas (ignoramos cómo vuelven a ellas) en busca de presas. Los visitantes se convierten en los primeros candidatos.

La película es miserable en todos los aspectos, pero contiene varios elementos que la convierten en un espectáculo tan divertido como digno de conmiseración. Ossorio aprovecha al máximo el escueto presupuesto con el que contó: Siete actores que se mueven únicamente por dos parajes del sur de Madrid que simulan la selva africana y unos brujos interpretados por estudiantes universitarios de intercambio. A esto se le añaden varias escenas de documentales y sonido selvático de ambiente y ya estamos en África. Después está el argumento, que a pesar de que resulta repetitivo está repleto de buenas ideas: vudú, las mujeres que por el día son leopardos y por la noche transmutan en vampiras, maldiciones centenarias, muertos que resucitan… Un muy animado cóctel que su realizador adornó con ese erotismo tan característico de su cine (exceptuando a Maria Kosti, todas las actrices se desnudan) y alguna escena memorable, como aquellas en que las mujeres-leopardo se mueven al ralentí, tal como lo hacen los templarios de la saga creada por él mismo. Ossorio también introduce un par de escenas rodadas en negativo, con lo que el resultado es bastante psicotrónico©. También ayuda lo suyo un reparto la mar de simpático.

Un producto menor, mal fotografiado (esas noches americanas que tanto se repiten a lo largo del metraje resultan espantosas), mal montado (música que se corta repentinamente) y pobremente dirigido (Ossorio tampoco es Jacques Tourneur) pero que supone toda una extravagancia en el cine español de género de la época.

Calificación: 4 sobre 10.

En el Blog Ausente podeis leer más sobre esta peli.

Barbara Rey y los brujos atacan a la pobre Loreta Tovar.

SE NOS FUE CURTIS HARRINGTON

Existen directores de cine por los que coges una especial simpatía. Son directores que no han alcanzado la fama que sin duda merecían. Y ello se debe a diferentes razones, aunque casi siempre esta sea el escaso presupuesto con el que cuentan o el poca atención que se muestra a sus obras. Son realizadores con mucho oficio y bastante talento pero que no obstante ello, no encuentran sitio en ninguna enciclopedia de cine ni revista especializada y sus nombres acaban en el olvido. Es el caso de Curtis Harrington, que falleció el pasado 6 de mayo a los ochenta años de edad. Otro realizador que se me viene a la cabeza es John Hough, por ejemplo.

No he podido ver todas las películas de Harrington, pero sí la mayoría y todas tienen en común una elegancia que las hace destacar por encima de producciones del mismo tipo. Una elegancia decadente que frecuentemente se ve realzada con nombres de viejas glorias encabezando los repartos.

Harrington era un intelectual. Comenzó en el cine experimental con sus amigos Kenneth Anger y Maya Deren, pioneros de este tipo de cine en los Estados Unidos. También compartió amistad con gente tan apasionante como Anaïs Nin, Marjorie Cameron o James Whale.

Después de rodar un par de cortometrajes, rodó su primer largo en 1961 bajo los auspicios de la AIP de Roger Corman. “Nightide”, protagonizada por Dennis Hopper, es una de las más extrañas rarezas de la productora, un film de una gran poética y sutileza. Para Corman también adaptaría dos filmes de ciencia-ficción soviéticos para el público norteamericano.

En 1971 realizaría sus dos grandes obras maestras: “Whoever slew Auntie Roo?” (mi favorita) y “¿Qué le pasa a Helen?”, ambas protagonizadas por una grandísima Shelley Winters. La primera es una especie de reverso cruel del clásico cuento “Hansel y Gretel”, con los malvados niños en lucha contra una desconcertada “bruja”. La segunda era la predilecta de su artífice. Fue escrita por Henry Farrell, autor de “¿Qué fue de Baby Jane?” y “Canción de cuna para un cadáver”, de ahí su trama granguiñolesca y que esté protagonizada por actrices maduras como Debbie Reynolds, la mentada Shelley Winters y Agnes Moorehead. Una gran película, fenomenalmente ambientada en la década de los treinta, lo que le valió una candidatura al “oscar” al mejor vestuario. Desgraciadamente, ninguna de las dos películas tuvo una importante repercusión económica.

Volvió a contar con viejas estrellas como Ann Sothern en “The killing kind” y Piper Laurie en “Ruby”, dos películas nada corrientes y poco comprendidas.

Su último largometraje se remonta a 1985 y estaba producido por la “Cannon”. El propio Harrington tiene claro que “Mata-Hari” se trata de su película más floja y pone como razones el poco entendimiento que hubo con productores y demás miembros del equipo técnico y la escasa versatilidad de Sylvia Kristel, encargada del papel principal.

También ha trabajado para la televisión realizando varios telefilms como “How awful about Allan” (1970), con Anthony Perkins, o “Killer bees” (1974), con Gloria Swanson, así como varios episodios de series tan conocidas como “Baretta”, “La fuga de Logan” o “Los ángeles de Charlie”.

En 2002 dirigió y protagonizó el cortometraje “Usher”, basado en la narración de Edgar Allan Poe.

Harrington también escribió un libro sobre Josef Von Sternberg, actuó para el filme incompleto de Orson Welles “The other side of the wind” y su intervención fue fundamental para que la película de James Whale “El caserón de las sombras” no se perdiera irreversiblemente.

En fin, otro nombre importante que pasa de puntillas por los medios de comunicación.

FILMOGRAFÍA (SOLO LARGOMETRAJES).

1961 Nightide.

1965 Voyage to the prehistoric planet.

1966 Queen of blood.

1967 La muerte llama a la puerta (Games).

1971 Whoever slew Auntie Roo?

¿Qué le pasa a Helen? (What’s the matter with Helen?).

1973 The killing kind.

1977 Ruby (Ruby).

1985 Mata-Hari (Mata-Hari).

En este mes de las flores también han fallecido:

Kazuo Kitamura, actor japones y presidente de la Asociación Nacional de Actores Teatrales. Trabajó para Akira Kurosawa (“Infierno del odio”), Masaki Kobayashi (“Kwaidan”), además de ser uno de los actores favoritos de Shohei Imamura (“Eijanaika”, “Lluvia negra”, etc.).

Nicholas Worth, orondo característico norteamericano al que vimos en “Swamp thing”, “Darkman” y “Barb Wire”, entre otras muchas.

Bernard Gordon, guionista y productor que estuvo en la tristemente famosa lista negra del Senador Joseph McCarthy. Son obras suyas, entre otras, los guiones de “El ataque duró siete días” (primera versión de la novela “La delgada línea roja”), “The day of the triffids”, “55 días en Pekín” y “Al este de Java”. También produjo varios títulos de Eugenio Martín en nuestro país, como el de “Pánico en el Transiberiano”.

ENTREVISTA A JOE D'AMATO (y II)

Continuamos con la entrevista a Joe D'Amato /Aristide Massaccesi. Hay que recordar que es una entrevista de 1994 y en esta segunda parte habla sobre todo de su faceta como productor.

La traducción y las notas son mías, así que ya sabeis eso de "traduttore, traditore". Toda la culpa será mía si hay errores.

Lo dejabamos hablando de "Demencia"...

¿Las excelentes piezas musicales de I Goblin fueron compuestas para el filme o ya habían sido escritas con anterioridad?

Aquellas piezas fueron compuestas especialmente para “Demencia”. Los productores y distribuidores mutuamente consintieron que yo pudiera contratar a I Goblin, y todas las decisiones en cuanto a la música fueron tomadas con los miembros de la banda.

¿Qué nos puedes decir de los efectos especiales?

Hay gente que cree que usé escenas ya grabadas (stock footage) de una autopsia real, lo que no es cierto. Usé intestinos de animales, y la actriz llevaba un falso corpiño que partimos en dos para que diese el efecto de que estaba abierta. En todos los cuatro filmes de terror, si incluímos “Las noches eróticas de los muertos vivientes”, creamos los efectos “splatter” usando restos de carnicería. No había realmente ningún experto de efectos especiales.

¿Y la mujer que se quema en el horno?

Aquí también muchos pensaron que filmé una cremación real, lo que es completamente erróneo. Era un efecto muy fácil de crear: todo lo que tuvimos que hacer fue poner un panel de cristal entre la actriz y el fuego y entonces rodamos desde los ángulos más adecuados.

¿Tuvo la película problemas con la censura?

En aquel tiempo la censura estaba ya bastante suavizada. De todos modos, la película salió en Italia con algunos cortes (la escena del embalsamamiento y aquella en que una chica es despedazada en el baño fueron cortadas), mientras que en Francia se pasó sin cortes.

La escena del banquete nupcial de Francesco e Iris, ¿estaba inspirada en aquella similar de “La parada de los monstruos”, de Tod Browning?

Sí, yo diría que sí. Recuerdo haber visto la película de Browning poco antes de comenzar el rodaje.

¿Por qué rodaste tantos filmes pornográficos a principios de los ochenta?

Fue simplemente una operación comercial, aunque no me avergüenzo de ellos.

“Gomia, terror en el mar Egeo” marcó tu regreso al género de terror.

Fue quizá la película de menor costo de toda mi carrera (la rodé en 16 mm. y después la inflamos a 35 mm.). Tuve que hacerlo así porque fue la primera película que financiaba con mi propia compañía, Filmirage (que creé porque fui persuadido por el bien conocido productor Ermanno Donati, padre de mi asociada y guionista, Donatella Donati).

¿Tuviste también problemas con la censura?

Sí, tuve que acortar la escena en la que Montefiori devora el feto de Serena Grandi, que en realidad se trataba de un conejo despellejado cubierto en sangre.

¿Y cómo reaccionó Serena?

Como una verdadera profesional. Recuerdo que era una persona muy serena.

¿Por qué “Absurd” se estrenó en el extranjero con el título de “Antropophagus II”?¹

Porque “Gomia, terror en el mar Egeo” fue un tremendo, aunque inesperado éxito, tanto de crítica como de público.

A diferencia de tus otros dos anteriores filmes de terror, el reparto estaba compuesto por actores extranjeros.

Sí, la película fue concebida casi exclusivamente para el mercado internacional y, estoy seguro de que eres consciente de que estas cintas tienen que ser rodadas en inglés. Así que utilizamos a dos dobladores ingleses, Ian Danby y Charles Borromel, y a los jóvenes Katia y Kasimir Berger, hijos del actor William Berger. “Demencia” y “Gomia”, por otra parte, fueron rodadas en italiano.

¿Estaban los actores bien concienciados durante la filmación de las escenas más nauseabundas de tus películas?

Sí, lo estaban. En parte porque creo que tengo la destreza de bromear de cualquier cosa.

Michele Soavi estuvo implicado en el rodaje de “Absurd”. ¿Lo consideras como un discípulo tuyo?

No. Tengo una muy buena opinión de él, cosa que demostré al producirle “Aquarius”, una película que fracasó en Italia porque salió en el momento equivocado y sin ningún tipo de publicidad, pero que sin embargo hizo un montón de dinero en el resto del mundo y tuvo muy buenas críticas. Incluso ganó el Premio del Jurado en el Festival de Avoriaz.
De todas las películas que he producido, “Aquarius” es mi favorita, y Soavi es uno de los jóvenes realizadores con mayor talento de todos los que he lanzado.

¿Por qué hiciste dos películas sobre “Ator el poderoso”?

El segundo Ator fue rodado como secuela del primero para aprovechar el contrato que teníamos con Miles O’Keefe. Fue hecha con mucha prisa y casi sin guión, mientras que el primero había sido escrito por José María Sánchez (bajo el seudónimo de Sherry Russel), ahora realizador y autor de los telefilms “Hemingway” y “Burro”.

¿Y tu siguiente trabajo, “Calígula 3 – La historia jamás contada”?

Fue una explotación comercial del exitoso filme de Tinto Brass.

¿Es verdad que Soavi tenía que haber dirigido “Killing birds”?

Sí, pero entonces, comprensiblemente, optó por rodar “El engendro del diablo” para Dario Argento. En ese momento me pareció que lo más decoroso que podía hacer era encargar el trabajo de dirigir los diálogos a su ayudante, Claudio Lattanzi, mientras yo me ocupaba de las escenas de efectos especiales. Al final, le dejé firmar como director.

Un procedimiento similar al que adoptaste en “2020 – Los rangers de Texas”.

Exactamente. Montefiori no se sentía demasiado confiado en las escenas de acción, así que las rodé yo, mientras él dirigía a los actores. Pero en este caso, el nombre registrado en el Ministerio fue el mío.

¿Por qué aparece Anna Bergman, protagonista de “Paradiso blu”, también como realizadora del filme?

Rodé esa película en Santo Domingo y su título original era “Vuelo nº 2 – Desastre en la noche”², y no la firmé porque no quería agruparla con las diferentes cintas eróticas que había dirigido. Se trata básicamente de una historia de amor en unos parajes exóticos como en “Paradise” y “El lago azul”, y como Anna es la hija de Ingmar Bergman, pensé que debía dejarla firmar a fin de que aumentaran las ventas, pero desafortunadamente no recaudó ni un céntimo. Firmé la fotografía como Peter Newton.

“Cuando calienta el sol...vamos a la playa” ² fue un fracaso también, ¿no?

Lo fue en Italia. Era un film caro debido a la presencia de viejos nombres como Peppino Di Capri y Little Tony, pero afortunadamente logramos venderlo bastante bien en el extranjero para la televisión.

Hablemos sobre tu violento filme de aventuras “Sangue negli abissi”. ¿Quién es el director Raf Donato?

Raf trabajó conmigo en “Guerreras rojas” como dialoguista, cuidando la dicción de los actores en inglés. Él es italo-americano y vive en Nueva York. Trabaja para Martin Scorsese como secretario de dicción.
Cuando me encontré con él después de diez años, me confesó que quería comenzar como director, y entonces me puse manos a la obra. De todos modos, después de rodar la escena en la que los chicos se juntan para sellar su pacto de sangre, Raf comprendió que no podría continuar con el rodaje hasta el final, y como yo estaba en el rodaje como productor y director de fotografía, él convino que yo debería asumir también la realización.

¿Dónde fue rodado el filme?

Principalmente en Florida, aunque rodamos una pequeña parte a lo largo del río Mississippi, lo que resultó ser bastante costoso, porque el agua allí está bastante oscura y fangosa. La escenas bajo el agua fueron rodadas en diferentes lugares: en Ventotene, en una piscina romana y en un acuario de Nueva Orleans.

¿Y los efectos especiales?

Construímos la cabeza de un tiburón mecánico y para el resto usamos escenas ya grabadas que compramos a National Geographic.

¿Qué respuesta comercial tuvo la película?

Tuvo mucho éxito en el extranjero. Se vendió bien incluso en Japón.

¿Cuánto cuestan tus películas fantásticas por regla general?

Preferiría no hablar de los costes de producción. Además, ahora tenemos una estructura que no nos permite analizar individualmente los costes de cada película. Por “estructura” quiero decir una sección de montaje de gran nivel que opera durante todo el año, el suficiente equipo de filmación para rodar tres películas a la vez, dos oficinas de producción, etc.

En tu opinión, ¿fue “Ghosthouse – La casa fantasma” un éxito?

La idea de cambiar el título por “La casa 3” fue de Achille Manzotti.³ Si se hubiera dejado el título original de “Ghosthouse”, difícilmente alguien habría ido a verla. Me gustaría añadir que no nos encontramos con problemas de copyright, ya que el título original de la cinta de Sam Raimi, como probablemente sabrás, es “The evil dead”.

¿Cómo descubriste a Fabrizio Laurenti?

Vi su película en 16mm titulada “The immigrant” y me gustó enormemente, pero entonces me di cuenta que cuando se encontró rodeado de un reparto internacional con gente como Linda Blair y David Hasselhoff, se vio un poco desbordado. Eso ocurrió porque se sentía condicionado por su presencia y no pudo dar de sí todo lo que era capaz.
En pocas palabras, el paso de un filme como “The immigrant”, rodado con un presupuesto muy bajo y entre amigos a “Witchcraft (La casa 4)” fue demasiado grande para él. De todos modos, su película dio diez veces más dinero que “Ghosthouse”. Después le financié otro trabajo, aunque creo que todavía le queda mucho camino que recorrer.

¿Sobre qué iban “Interzone” y “Quest for the mighty sword”?

“Interzone”, que produje junto con unos socios americanos, en una película del estilo de “Mad Max”. Fue dirigida por el joven Deran Sarafian, el hijo del famoso director Richard Sarafian, también autor de “Cosmos mortal” y “To die for”, así como actor en “Zombi 3”, de Lucio Fulci.
“Quest for the mighty sword” era una película que dirigí con el nombre de David Hills y que marca una especie de retorno al ambiente de “Ator el poderoso”.

¿Cuál de tus películas ha tenido mayor éxito fuera de Italia?

“La alcoba” y “Once días, once noches”. En Italia también fueron muy bien.

¿Qué opinas de “Paura nel buio” y de su director, Umberto Lenzi?

“Paura nel buio” es una “road-movie” que no tiene nada que ver con la película de Robert Harmon (“Carretera al infierno”). Es, de hecho, la historia de un perturbado que recoge autoestopistas americanas para violarlas y matarlas en un tráiler. Lenzi es un director verdaderamente profesional, pero que quizá ha quedado demasiado atado a unos estilos de dirección que le llevan a resultar repetitivo.

¿Puedes brevemente darnos tu opinión sobre otros colegas tuyos, comenzando con Luigi Montefiori?

Una gran persona, aunque no ha tenido demasiada suerte. Hemos trabajado juntos muchas veces. También le financié su debut “oficial” como director, con la película “DNA Formula letale”.

¿Y acerca de Claudio Fragasso?

Hice “Troll 2” y “La casa 5” con Claudio. Tiene un montón de imaginación, quizá demasiada. Se arriesga a perderse en ella mientras está escribiendo las historias de sus películas. Es un director muy frenético.

¿Y qué hay de ti? ¿Qué clase de productor eres?

Por el momento, aprensivo. Cuando este trabajo se convierta en rutina, quizá las cosas deban cambiar.

¿Se debe a esta inseguridad el hecho de que interfieras en el trabajo de los directores que trabajan contigo?

No, no del todo. Si no respetara la creatividad de los otros directores, haría la película yo solo.

¿Qué opinión tienes de tus últimas producciones, “Killing birds”, “Contamination point 7” y “Troll 2”?

Son películas que me han dejado un alto grado de satisfacción desde el punto de vista del productor. De ellas, “Troll 2” es, indudablemente, la más popular.

¿Te consideras más dotado como director, como productor o como director de fotografía?

Quizás como director de fotografía, en tanto que me inicié en el cine como operador, lo que me obligaba a poner gran cuidado en la calidad de la fotografía.

¿Te importa la opinión de los críticos? Los periodistas a menudo atacan tus películas severamente.

No me importa. Al contrario, creo que las buenas críticas son inversamente proporcionales a la acogida comercial. Si las críticas a mis películas siempre son malas, esto es bueno para mí.

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¹ Está hablando de la película “Rosso sangue”, que en nuestro país se estrenó con el título de “Absurd” y en el mercado anglosajón como secuela de “Gomia, terror en el mar Egeo”, cuyo título original era el de “Antropophagus”.

² Títulos originales en castellano.

³ Pese a que en España se estrenó como “Ghosthouse”, el título original es el de “La casa 3”. En Italia, el clásico de Raimi “Posesión infernal” se estrenó como “La casa”. De ahí que los italianos aprovecharan a inventarse secuelas.