El extraño vicio del Dr. Hichcock

Annie Belle: Retrato de una nínfula (III)

2012-01-17T10:43:00.000-08:00

Continuamos repasando la trayectoria de nuestra adorada Annie Belle, en esta, la penúltima entrega. “Switch” (1978) es un filme fantasma. Su rodaje fue interrumpido por el fallecimiento de su director, Giuseppe Colizzi. Este realizador fue el descubridor de la pareja humorística formada por Bud Spencer y Terence Hill, y entre su corta filmografía encontramos títulos como “Tú perdonas... yo no” (1968), “Los cuatro truhanes” (1968) o “La colina de las botas” (1969). En los años setenta dirige un canal privado de televisión en Roma llamado SPQR. Sus experiencias en esta nueva faceta las intenta plasmar en pantalla con la que será su última película, esta “Switch”. A Annie le hacía mucha ilusión trabajar con este realizador.

Pese a su muerte, la película logra estrenarse fugazmente y prácticamente nadie se entera de su existencia, por lo que se guarda en una caja, cae en el olvido y se convierte en un “cult” buscadísimo. Hace unos pocos años se pudo ver en Roma en el marco de un festival.

La película, que también es conocida como “Pandemonio”, es una comedia en la que unos jovenes que poseen una televisión privada viven mil enredos, incluído un secuestro. Annie Belle es la principal protagonista femenina. La carrera de la actriz parece que toma un nuevo rumbo.

En 1980 rueda “Una noche en coche cama”, cacofónico título español del más sencillo “La compagna di viaggio”. El director es Ferdinando Baldi, fallecido hace unos pocos años. Se trata de una película al servicio del erotismo de Anna Maria Rizzoli, starlette habitual de la comedieta sexy de finales de los setenta y principios de los ochenta, que era conocida como “el seno más bonito de Italia”.

Annie con una gafas imposibles

Un barón (Gastone Moschin) ha organizado un robo en un tren. Mientras va preparando el golpe junto a su ayudante (la Rizzoli), se nos van mostrando las peripecias del mozo (Raf Luca) entre las diferentes estancias del coche-cama, tal como años más tarde haría Tim Roth en “Four rooms” (1995). Nuestra Annie es la secretaria de un político (Giorgio Bracardi) tan impetuoso como patético.

El reparto femenino de esta cinta es de los que producen vértigo: además de la Rizzoli y nuestra Annie, también está la deliciosa (y llorada) Marisa Mell, ya con cuarenta años encima pero tan bella como siempre; la rotunda Serena Grandi, que interpreta a una joven recién casada y un poco reticente a acostarse con su flamante marido; y las futuras divas del porno italiano, Marina Frajese y Moana Pozzi.

Por el contrario, los protagonistas masculinos flojean bastante. Está el veterano Gastone Moschin, que había participado en “El Padrino” de Coppola y que ya coincidió con Annie en “Mogliamante”. Encontramos los acentuados rasgos de un Raf Luca demasiado gesticulante, y al pelón de Pino Ferrara. En fin, un reparto varonil poco atractivo de cara a la galería, al contrario de sus compañeras féminas. Unas actrices a las que no les cuesta demasiado enseñar sus pechos, sobre todo la Rizzoli, que por algo es cabeza de cartel. Extrañamente, Annie Belle está más recatada que nunca y apenas deja entrever su cuerpo desnudo en un escorzo y apretada al fornido cuerpo de Massimo Pitarello, un cachas de gimnasio que probaría fortuna en el subgénero de bárbaros y brujería que produjo el cine italiano tras el éxito de “Conan el bárbaro”.

En cualquier caso, “Una noche en el coche cama” es una mala comedia más preocupada en mostrar los cuerpos de sus actrices que en crear una trama más o menos coherente.

Ese mismo año se produce el primer reencuentro con Al Cliver en la invisible “Molto di più”, única película del misterioso Mario Lenzi, pintor amigo de Cliver, que ya había actuado con Annie en un par de ocasiones.

Una cinta que prácticamente nadie ha visto, y quien lo ha hecho deja constancia de lo mala que es. Al parecer intenta ser un retrato de la intelectualidad en la Roma de los años setenta, rodada de una manera semidocumental. Así, vemos como los actores cocinan, se duchan y ejecutan otras nimiedades, casi sin diálogos. Apasionante. Si alguien tiene información sobre esta película, bienvenida será.

Y después de esta rareza, se estrena la que es una de sus películas más famosas, la tremenda “Trampa para un violador”, dirigida por el carnicero de Ruggero Deodato (“Holocausto caníbal”).

Película evidentemente influenciada por “La última casa a la izquierda”, opera prima de Wes Craven. De hecho, cuenta con su mismo actor principal, el recientemente fallecido David Hess. Según declaraciones de la propia actriz, Hess se comportaba como un divo durante el rodaje. Con quien sí que congenió fue con Giovanni Lombardo Radice, polifacético actor de gran cultura.

Con David Hess

El argumento gira en torno a las tropelías que este y su acompañante (un Giovanni Lombardo Radice absolutamente enloquecido) cometen en un lujoso chalet en el que se cuelan. Los habitantes del chalet son ultrajados con mil y una perrerías. Unos inquilinos, por cierto, de muy buen ver: al pipiolo de Christian Borromeo –ese mismo año rodaba “Ténebre” a las órdenes de Dario Argento- le acompañan féminas de la categoría de Lorraine de Selle, la inédita Marie-Claude Joseph, y por supuesto, nuestra Annie Belle.

Con David Hess en la ducha

En una de sus escenas más celebres, Annie y David Hess mantienen relaciones sexuales en la ducha. La actriz parece una frágil muñequita en manos de tamaño gigante. En España, la película lució una flamante “S”, mientras que en el Reino Unido entró de lleno en la lista de las controvertidas “video nasties”.

Rodada en 1978, pero estrenada dos años más tarde, “Trampa para un violador” es una de esas películas de las que te sientes culpable de que te guste. Al menos en mi caso. Y te sientes culpable porque lo que estás viendo es una colección de humillaciones que va en aumento y desemboca en una previsible explosión de violencia seguida de una venganza liberadora a la manera de Charles Bronson, tan esperada como agradecida. En fin, una película que despierta los instintos más bajos del espectador, que ante tanta perversidad únicamente desea la muerte de Hess y su compinche. Una muerte lo más dolorosa posible. Planteamiento sencillo pero eficaz. Mea culpa.

Con Marie-Claude Joseph

Su siguiente película también será de terror. En "Absurd" es dirigida por Joe D'Amato, que pretende hacer una especie de continuación espiritual de su éxito "Gomia, terror en el mar Egeo". Lo único que tienen en común ambas películas son la cantidad de sangre y violencia que poseen ambas y el personaje protagonizado por George Eastman. Annie es una enfermera que cuida de unos hermanos (Katya y Kasimir Berger, hijos de William Berger) en una lujosa mansión mientras sus padres están en una fiesta. De repente se ven acechados por un loco homicida (Eastman, claro) que no duda en asesinar a nuestra Annie -que luce de nuevo pelo rubio- de una manera horrible: le coloca la cabeza en un horno y lo enciende. Una muerte lenta y dolorosa. Sanguinaria, como toda la película, toda una muestra de brutalidades con muy poco sentido común. Aunque Annie recuerda como divertida la experiencia de trabajar con Joe D’Amato, uno de los realizadores con los que más a gusto se sintió durante su carrera. También recuerda las largas horas de maquillaje que tuvo que soportar para rodar la escena de su muerte.

Durante esta época, la actriz estaba sentimentalmente unida al productor Diego Spataro, con el que mantuvo una relación de tres años. Lo abandonó el día de final de año.

Asesinada por George Eastman en el horno

Después de enfrentarse a la bestia parda de George Eastman, le tocó encararse con otro monstruo más terrible si cabe, el terrorífico cantante siciliano Carmelo Zappulla. Fue en "Pronto... Lucia", dirigida por Ciro Ippolito. Con Ippolito ya había trabajado en el set de “Las noches pecaminosas de una menor”. El encuentro entre el ahora realizador (su primer filme en este sentido fue la terrorífica “Alien 2”, en la que sustituyó al inicialmente previsto Biaggio Proietti) y la actriz fue puramente casual. Ella iba andando por las calles de Roma cuando oyó el claxon de un coche. Resultó ser Ippolito, que por entonces estaba rodando su segunda película. Annie Belle acabó protagonizándola. En ella, Zappulla es Tonino, joven napolitano que se quiere casar con su novia de toda la vida, Lucia, interpretada por la actriz. Hay una crisis económica por todo el país, que queda reflejada en varias imágenes de huelgas de trabajadores, razón por la cual Tonino se ve obligado a emigrar a Austria para trabajar de minero. Allí conoce a Helga (Clelia Rondinella), que, como todos los austríacos, habla un italiano perfecto, y tienen un lío amoroso. Un posterior accidente en la mina provoca que Tonino pierda la memoria y entonces Helga dice ser su mujer. Todo un melodrama, más cercano a las fotonovelas que a Douglas Sirk, con Zappulla lanzando gorgoritos a la mínima que puede y una Annie Belle más recatada que nunca, con una cinta rosa en la cabeza, pero muy guapa.

La película es bastante insoportable, pero es supone un incremento de moral para Annie, que estaba deseosa de cambiar su registro dramático. Además, su éxito en taquilla provoca que la actriz sea contratada para más películas napolitanas de ese corte.

Con Carmelo Zappulla

Ciro Ippolito se convertiría en el nuevo compañero sentimental de la actriz, a la que volvería a dirigir y producir en alguna ocasión más.

En este mismo año de 1982, el veterano realizador Christian-Jaque dirige la miniserie de siete capítulos “La nouvelle malle des Indes”. Una historia de aventuras ambientada en el siglo XIX y para la que cuenta con Annie Belle para una breve aparición. Es en el capítulo tercero, y la actriz luce unos bonitos tirabuzones.

P.S.: En IMDB aparece como parte de la filmografía de Annie Belle la película americana "Liar's moon" (David Fisher, 1982). Podemos confirmar que la actriz nunca participó en dicha película. Como se puede apreciar en la fotografía de abajo, la enfermera está interpretada por otra mujer, no por nuestra parisina.

Morgane et ses nymphes (Bruno Gantillon, 1971)

2012-01-10T10:13:00.000-08:00

Con Dominique Delpierre, Alfred Baillou, Mireille Saunin, Régine Motte, Ursule Pauly, Michèle Perello, Nathalie Chaine, Velly Beguard, Solange Pradel y Patricia Lecarpentier.

Dos atractivas jóvenes han salido de vacaciones en coche por la campiña. Llegan a un bar para tomarse un tentempié y se encuentran inmersas en un ambiente hostil. El mesonero les apremia a tomarse su bebida pronto y a marcharse. Ellas acatan la orden y suben a su automóvil, que no tarda mucho en quedarse parado en medio de la nada. Se guarecen en un caserío abandonado para pasar la noche. A la mañana siguiente, una de ellas ha desaparecido. Un extraño personaje enano hace su aparición y le asegura a la otra chica que si le sigue llegará hasta donde está su compañera. Así lo hace ella y de ese modo llega a un enorme y bello castillo que parece habitado únicamente por bellas muchachas, sometidas a la voluntad de Morgane, una hechicera que promete a nuestra protagonista la inmortalidad a cambio de su alma.

Dominique Delpierre

Primera película de Bruno Gantillon, un hombre de carrera eminentemente televisiva, que ya había participado en el exitoso programa de variedades “Dim dam dom”, todo un fenómeno en Francia. Recuerda levemente al cine de Jean Rollin, aunque aquí las vampiras son sustituidas por brujas. Además, la estructura del filme es más clásica, más convencional que las utilizadas por Rollin. Es este un tipo de cine que durante principios de los años setenta tuvo cierta continuidad en el país vecino, con títulos como “La goulve” (Mario Mercier, 1972) o “La papesse” (Mario Mercier, 1975).

Régine Motte, Nathalie Chaine y Ursule Pauly

Régine Motte

Lo que le importa realmente al realizador no es lo que cuenta sino cómo lo cuenta. Gantillon se muestra aquí muy preocupado por la estética: utiliza un contrastado cromatismo y hace uso con frecuencia de los fondos negros. Además, aprovecha perfectamente los bellos escenarios, entre los que destaca el majestuoso castillo de Val, en Artense. Cierto es que, en alguna ocasión, peca de querer epatar al espectador situando la cámara en lugares inesperados, o con su contínuo uso de espejos, tan lejano a Sirk, pero no se le puede negar una gran vistosidad y belleza a su opera prima.

Michèle Perello y Mireille Saunin

Mireille Saunin y Régine Motte

Decimos que lo que le interesa a Gantillon son los elementos puramente visuales de la película (nunca volvería a hacer nada tan interesante), pues la historia en sí misma se podría resumir en muy pocas líneas. Como dice Morgane, la acción ocurre en el reino de las hadas, un lugar que solo los niños pueden encontrar. Pero las intenciones del director son más terrenales: desnudar a sus protagonistas. En una lejana entrevista lo dejaba claro: “Quería hacer una película de las que no se ven frecuentemente. Solo mujeres y un enano”. Y de eso se trata, de mujeres bellas protagonizando numerosos lésbicos, aunque, eso sí, con bastante buen gusto y sin caer en la vulgaridad.

Alfred Baillou

La escena de la fiesta en los subterráneos del castillo es todo un producto de su época. Parece un fiesta jipi con poesía, baile y sexo. O más bien como la burguesía pensaba que eran este tipo de fiestas. El elemento voyeur es protagonista de esta secuencia, bastante larga.
Rodada en seis semanas, cuenta con una excelente banda sonora de François de Roubaux, que firma como Cisco el Rubio, basada en guitarra española.

Michèle Perello

Personalmente, creo que para el papel de Morgane se necesitaba a una actriz con mayor fuerza que Dominique Delpierre.

¿Sabías que…?

El músico François de Roubaux murió mientras practicaba submarinismo en las islas Canarias.
Ursule Pauly y Solange Pradel ya había coincidido en “Le viol du vampire” (Jean Rollin, 1968).

El último kamikaze (Jacinto Molina, 1984)

2011-12-30T03:49:00.000-08:00

Con Paul Naschy, Irán Eory, Manuel Tejada, Leticia Marfil, Mirta Miller, Alberto Fernández, Lone Fleming, José Cela, Angeles Morales, Margarita Ferrer, Luis Carrillo, Hilda Fuchs, Tony Valento, Luis Rico, Rosa Suances, Guillermo Murray, José Bódalo, Julia Saly, Pierrot (Antonio Gracia), Carlos Galifa, Adolfo Thous, Alito Rodgers, María José Pouche, Iñaque Zorbano, Braulio Dorado, Kunio Kobayashi, Vicente del Águila, Herta Schilman, Ernesto Yáñez, Silvia Gambino, Juan Martin Vidal, Maria Jose Lozano, Steve Shabaneh y Sergio Molina (n.a.).

Una de las películas menos vistas de Naschy-director. Se trata de una complicada (pero no tanto) intriga internacional en la que se ven envueltos dos asesinos a sueldo que trabajan para bandos contrarios y que, como es previsible, se enfrentarán en un duelo final. El enredo tiene lugar en diferentes lugares del planeta, desde El Cairo hasta Nueva York, pasando por Madrid.

José Bódalo y Mirta Miller

No es una historia nueva, pues un cine parecido habían hecho anteriormente realizadores como Antonio Isasi o José Antonio de la Loma. Pero sí que es cierto que a mediados de los años ochenta la realización de una película así era algo casi suicida. En efecto, Naschy era un kamikaze.

Paul Naschy, versión 1

El de rojiblanco es Sergio Molina, hijo del actor

Lastimosamente, la película no pasa de ser un muestrario de insensateces mayúsculas, y además, muy mal contadas. Prácticamente todo el metraje se distribuye de este modo: Naschy, el kamikaze, asesina a un capo de la competencia, mientras que Manuel Tejada, el otro liquidador, hace lo propio. Después los jefazos de la banda se reúnen y hablan de lo necesario que es eliminar al kamikaze. Luego, nuevos asesinatos y nueva reunión. Y así, varias veces. Demasiadas.

Julia Saly, siempre recordada

A lo largo de su dilatada carrera Naschy podía tener buenas ideas, pero reunirlas todas en un guión es bastante complicado y esta cinta es un buen ejemplo de ello. Las situaciones son irreales y los diálogos… los diálogos merecen un capítulo aparte.

Paul Naschy, versión 2

El hecho de que las actuaciones sean, en general, tan flojas se debe a la artificialidad de los diálogos. Que Irán Eory, después de hacer el amor con Manuel Tejada, le diga: “Cuando nacen seres como nosotros, algo muy extraño y perverso tiene que ocurrir en el vientre de la madre”, sin sonrojarse de vergüenza, es todo un logro. Si incluso a José Bódalo, el actor más destacable del reparto, se le nota cierto nerviosismo a la hora de soltar esas parrafadas surrealistas que el Naschy-guionista le obliga a decir.

Irán Eory y Manuel Tejada

Por otra parte, los personajes no tienen ningún relieve. Únicamente se intenta hacer un estudio de la personalidad del Naschy-actor, pero casi resulta peor el remedio que la enfermedad. El adentrarse en terrenos psicoanalíticos para hacernos comprender que él es un asesino por culpa de las ideas nazis que su padre le inculcó de pequeño es más risible que otra cosa. Y si a eso añadimos su omnipresente narcisismo, que se puede advertir en los primeros minutos en la descripción que de él hace uno de los mafiosos. Además de asesino infalible y mago del disfraz (impagable verlo travestido de ancianita) es pintor (para ello se pone la gorra de pintar) y tiene un éxito incontestable con las féminas, pues mantiene relaciones con Julia Saly y con la jovencita Leticia Marfil, además de con una muy bien formada prostituta.

Manuel Tejada y el inimitable Pierrot, fallecido este año

Manuel Tejada le dice al kamikaze que tiene cierto sentido del humor. No es cierto. Naschy se toma demasiado en serio, no hay ninguna ironía en esta película. Y eso que hay elementos suficientes para ello, pues casi se podría construir una comedia con el argumento.

Paul Naschy y Leticia Marfil

Mirta Miller y Margarita Ferrer

La puesta en escena también es bastante vulgar. ¿Cómo es posible rodar durante tres semanas en Egipto para que después aparezcan únicamente un par de postales? Muchos interiores sí que hay y los pocos exteriores que encontramos son de lo más anodino: un campo de golf, caminos de cabras…

Paul Naschy, versión 3

Por destacar algo, podríamos hacerlo con la violencia de un par de secuencias, sobre todo una que tiene lugar en una piscina llena de chicas en topless y chicos musculados (entre ellos Steve Shabaneh, Mister Mundo por aquel entonces) y que acaba en un baño de sangre con cuerpos despedezados volando por el aire.

Lone Fleming y Julia Saly

En definitiva, una de las peores realizaciones de su creador, cuya pobre taquilla supuso otro lastre para Acónito Films, la productora de Naschy y Julia Saly.

¿Sabías que…?

El equipo de rodaje pisó los calabozos de El Cairo por no tener los permisos en regla.

Paul Naschy, versión 4 (lo mejor para el final)

Las alegres vampiras de Vögel (Julio Pérez Tabernero, 1973)

2011-12-28T04:34:00.000-08:00

Con Ágata Lys, Germán Cobos, María José Cantudo, José María Tasso, Paula Pattier, Liza S. León, María Vidal, Débora Rey, Mary Cruz, Sara Mora, Elke Jhonsen, María Pinar, Juan Taberner, J. Alonso Vaz, Gilberto Moreno, Rafael Conesa, Antonio Almorós, Luis Alonso, Antonio Orengo, Antonio Ramis, I. Beltrán de Lys, Carlos Enrile, Julio Pérez Tabernero y el Marqués de Toro (Juan Antonio Patiño y López de Ayala).

Nos encontramos en la aldea de Vögel, en Transilvania. Una voz en off nos explica que el conde Erik Draculter siembra el pánico entre los lugareños, pues es un vampiro y se alimenta de la sangre de las jóvenes aldeanas. Pero llega un momento en que los campesinos se exasperan y deciden dar muerte al terrible conde.

María José Cantudo y José María Tasso

Con la muerte del conde, a los siete minutos de película, comienzan los títulos de crédito. Y después de ellos, lo que parecía ser una película de terror al uso se transfigura en una comedia de trazos pero que muy gruesos en solo unos segundos, los que basta para que veamos como un vampiro intenta salir de su ataúd y se aplasta los dedos de la mano con la tapa. Se trata de Otto, fiel sirviente del conde, al que ayuda a reencarnarse. Estamos ya en el siglo XX y el conde ordena a Otto y a su propia sobrina, también vampira, que le busquen jóvenes atractivas a las que poder succionar la sangre. La ocasión se les presenta bajo la forma de una compañía de variedades a la que se le avería el autobús.

El Marqués de Toro, María José Cantudo y José María Tasso

Estamos en las postrimerías del franquismo y el cine de terror se ha hecho un hueco importante en la producción de nuestro país. Además, el erotismo comienza a inundar las pantallas, pero dentro de un orden. Es por ello que esta película combina ambas tendencias pero sin cargar las tintas en cuanto a sangre y carne. Así, la primera únicamente la vemos alrededor de los afilados colmillos de los vampíricos protagonistas, mientras que la segunda se entrevé entre abundancia de ropa interior y negligés.

José María Tasso, María Vidal, Sara Mora y Elke Jhonsen

José María Tasso y Paula Pettier

El guión auna a vampiros con licántropos y muertos vivientes, todo ello en un escenario tan sugerente como el madrileño castillo de San Martín de Valdeiglesias, además muy bien fotografiado por Emilio Foriscot. Lamentablemente, el humor que destila la cinta es de una chabacanería rallana en la grosería. Ejemplos de ello los encontramos en la figura del conde, que tararea el “Yo soy aquel” de Raphael, o que alegremente suelta un “Sois más grandes que el Cordobés”. También se oye de los labios de Otto una perla como “Yo solo bebo sangría”. No demasiada sofisticación, como se puede advertir. Con todo, encontramos momentos en los que el cúmulo de absurdos les confiere cierta gracia, como cuando el conde se presenta ante sus invitados y todos aplauden su teatral aparición.

Germán Cobos y Ágata Lys

El conde Erik está sorprendentemente interpretado por el entonces Marqués de Toro, personaje totalmente ajeno a la farándula hasta ese momento y del que nada se ha vuelto a saber. Curiosamente, su esposa falleció ese mismo año, por lo que todavía se hace más difícil comprender las razones de ese debut.

Elke Jhonsen, el Marqués de Toro, Ágata Lys y María Vidal

Los colaboradores del conde están interpretados por el veterano José María Tasso y por una guapísima María José Cantudo, que se marca un descabellado baile andaluz encima de una mesa. Entre el resto del reparto encontramos a Ágata Lys, que se pasa más de la mitad del metraje en sujetador; a un comprensiblemente desganado Germán Cobos o a Sara Mora, una de las musas del destape, en su primera aparición cinematográfica.

Ágata Lys y el Marqués de Toro

María Pinar y José María Tasso

Segunda película de su realizador, tras “Sexy cat”. Además, se guarda un pequeño pero significativo cameo.

Ágata Lys, Germán Cobos y Julio Pérez Tabernero

Fue producido por José María Elorrieta y contaba con música de Alfonso Santisteban.

¿Sabías que…?

El título de rodaje era “Esos crueles y sanguinarios vampiros”.

Su estreno nacional tuvo lugar en la ciudad de Vitoria.

Paula Pattier, que fue portada de Interviú en varias ocasiones, era la novia del director.

Impresionante María José Cantudo

I due crociati (Giuseppe Orlandini, 1968)

2011-09-14T13:54:00.000-07:00

Con Franco Franchi, Ciccio Ingrassia, Janet Agren, Fiorenzo Fiorentini, Umberto D'Orsi, Ignazio Leone, Marco Tulli, Nino Fuscagni, Gastone Pescucci, Enzo Andronico, Fabio Testi, Antonietta Fiorito, Pietro Ceccarelli, Furio Meniconi, Loris Gizzi, Franco Borelli, Veriano Ginesi (n.a.) y Alba Maiolini (n.a.).

Estamos en tiempos de cruzadas. A la muerte del Vizconde de Braghelunge, su hijo contrata a un militar para que le ayude con su ejército a recolectar los impuestos a sus súbditos. La cosa no puede ir peor, ya que el ejército del militar (un cabo) se compone de una persona, el pueblo se constituye en república y expulsa al vizconde. Este y su reducido séquito acaban luchando en las cruzadas contra el temible Saladino, habiendo pasado antes mil penalidades, entre las que destaca ser vendidos como esclavos.

Franco Franchi y Furio Meniconi

Una de las muchas películas que se produjeron en los años sesenta a mayor gloria de la pretendida comicidad de la pareja formada por los actores Franco Franchi y Ciccio Ingrassia, y no de las más notables.

Janet Agren

El humor está basado más en los diálogos que en el aspecto visual. De hecho, cuando se hace incapié en este último matiz, es cuando más flojea la cinta. Así pues, su columna vertebral se fundamenta en las absurdas conversaciones que platican los personajes. Contamos con un elevado número de juegos de palabras, algunos bastante facilones (hay un personaje tartamudo que provoca muchos equívocos) y otros más resultones. Especialmente guasona es la escena en la que nuestros protagonistas le sueltan un mensaje en clave a la persona a la que no debían (“Omunculo, animale, stupido, idiota”) y cómo intentan arreglarlo cuando han de decirlo ante el sujeto indicado.

Ciccio Ingrassia y Franco Franchi

También se juega la baza del anacronismo. Entre las descabelladas escenas, cabe mencionar aquella en la que los cruzados utilizan cerdos metálicos flotantes (?) o la desatinada batalla final entre el ejército cristiano y el de Saladino, que se salda con la victoria del primero a golpes de salami y demás chacinería.

Marco Tulli, Franco Franchi y Ciccio Ingrassia

Es evidente que si no se comulga con ese particular humor gesticulante de Franchi e Ingrassia, que suele resultar indigesto a mucha gente, la película no tiene el mayor interés, pero tiene ciertos momentos graciosos que la salvan del olvido.

Umberto D'Orsi, Janet Agren y Marco Tulli

Umberto D’Orsi está fantástico en su papel de generalísimo cristiano. Su valerosa hija, cuyos planes para derrotar a Saladino casi se van al traste por culpa de los dos patanes, está interpretada por la deliciosa Janet Agren (aquí acreditada como Janet Ahgren), en su primera aventura cinematográfica. También podemos ver a un jovencísimo Fabio Testi.

Janet Agren y Nino Fuscagni

La realización del anodino Orlandini es bastante tosca y durante gran parte del metraje tienes la sensación de que la cámara no está donde debería estar.

¿Sabías que…?

La escena final es una parodia de la ya involuntariamente paródica “El valle de las espadas” (Javier Setó, 1963).

En el guión participó Lucio Fulci.

Stay tuned!

2011-05-08T03:05:00.000-07:00

Just having a baby

Reponiendo vídeos

2011-03-09T06:57:00.001-08:00

Poco a poco iré reponiendo vídeos que, gracias a algún gracioso, ya no están disponibles al eliminar youtube mi cuenta.
De momento, ya están de nuevo disponibles los vídeos de las siguientes entradas:

El asesino está al teléfono (Alberto de Martino, 1972)

Escenas memorables del cinema bis (IV)

Solo es un sueño: Onirismos (II)

Adiós, Fernando

Cita con la muerte alegre

2011-02-23T09:39:00.000-08:00

Betty Garrett

Una de las protagonistas femeninas de la inolvidable “Un día en Nueva York” (Stanley Donen y Gene Kelly, 1949). La prometedora carrera de esta actriz, cantante y bailarina nacida en 1919, se vio interrumpida cuando su nombre, junto con el de su marido, el también actor Larry Parks, entró en la vergonzante lista negra de Joseph McCarthy, por su pertenencia al Partido Comunista. Aparte de “Mi hermana Elena” (Richard Quine, 1955) y “The shadow on the window” (William Asher, 1957), el resto de su filmografía tuvo lugar en la televisión. A finales de la década pasada participó en dos minúsculas películas de terror.

Kenneth Mars

Actor nacido en Chicago en 1935 y famoso principalmente por sus papeles para Mel Brooks. Fue el nazi Franz Liebkind en “Los productores” (1968) y el inspector Kemp en “El jovencito Frankenstein” (1974). Entre su vasta carrera sobresalen sus apariciones en “Locos de abril” (Stuart Rosenberg, 1969), “La noche se mueve” (Arthur Penn, 1975), “Fletch, el camaleón” (Michael Ritchie, 1985) o “Ilegalmente tuya” (Peter Bogdanovich, 1988). También fue muy activo en televisión y su voz se puede oír en infinidad de películas animadas.

T.P. McKenna

Otro prolífico actor de carácter, nacido en Irlanda en 1929. Thomas Patrick McKenna trabajó tanto para teatro como para cine y televisión. Lo vimos en “El soñador rebelde” (Jack Cardiff, 1965), “Ulysses” (Joseph Strick, 1967), “Perros de paja” (Sam Peckinpah, 1971) –quizá su interpretación más recordada-, “El doctor y los diablos” (Freddie Francis, 1985) y “Valmont” (Milos Forman, 1989), entre otras.

David F. Friedman

El célebre productor al que, con la colaboración de Herschell Gordon Lewis, se debe el nacimiento del subgénero gore, con películas como “Blood feast” (1963), “2,000 maniacs” (1964) o “Color me blood red” (1965). Una vez rota su relación con Lewis, siguió produciendo delicatessen del tenor de “She freak” (Byron Mabe, 1967), “The acid eaters” (Byron Mabe, 1968), “The adult version of Jekyll & Hyde” (Lee Raymond, 1972) o “La loba de las SS” (Don Edmonds, 1975).

Dorian Gray

Nacida Maria Luisa Mangini, esta bella actriz italiana adoptó tan wildeano seudónimo sin saber que el personaje era masculino. Después de varios años en las tablas, debuta en el cine a principios de la década de los cincuenta. Trabaja para Federico Fellini en “Las noches de Cabiria” (1957) y para Michelangelo Antonioni en “El grito” (1957). También fue la mala mujer de “Totò, Peppino e… la malafemmina” (Camillo Mastrocinque, 1956), con la que obtuvo un gran éxito. Ganó un Nastro d’Argento por “Mogli pericolose” (Luigi Comencini, 1958). Una vez quedó embarazada, se retiró del cine. Desgraciadamente, la actriz se ha suicidado de un tiro.

Florinda Chico

Nos ha dejado también la tercera chacha del cine español, tras Rafaela Aparicio y Gracita Morales. Actriz extremeña nacida en 1926, ya en los años cuarenta actuaba para diferentes compañías teatrales. Debutó en el cine con “Pasaporte para un ángel” (Javier Setó, 1953). Con todo, no es hasta los sesenta que su nombre se hace popular para el público, con comedias como “Las amigas” (Pedro Lazaga, 1969), “El calzonazos” (Mariano Ozores, 1974), “El señor está servido” (Sinesio Isla, 1976), “El currante” (Mariano Ozores, 1983) y muchas otras. También encarnó otros registros en “Cria cuervos” (Carlos Saura, 1976), “Gusanos de seda” (Francisco Rodríguez, 1977) y “Miedo a salir de noche” (Eloy de la Iglesia, 1980), entre otras.

Rossana di Rocco responde al doctor

2011-02-20T01:56:00.000-08:00

Hace unos días poníamos unas bellas imágenes de Rossana di Rocco, que interpretó a un ángel por dos ocasiones en sendas películas de Pasolini.

El doctor Hichcock ha logrado ponerse en contacto con la señora di Rocco, que ha sido muy gentil al responder a un breve cuestionario sobre sus vivencias cinematográficas.
Gracias de nuevo, Rossana.

Dos imágenes de su primera aparición en el cine: "Mare matto" (1963).

¿Cómo entró en el mundo del cine?

Entré en el mundo del cine por casualidad, como ocurría siempre con Pasolini.
Pasolini había venido a dar un paseo cerca de mi casa. Yo vivía en una casa un poco "fuera de la ciudad", cerca del Eur (donde vivía él), y, junto con mis compañeros, lo reconocimos y fuimos todos juntos a saludarlo. Yo estaba muy mal vestida, tal vez ni siquiera me había lavado esa mañana, y él me vio y me preguntó si me gustaría hacer cine. "Nunca lo había pensado", le respondí.

Unos días más tarde volvió con otras personas, eran los operadores con una cámara, y me hicieron una especie de prueba, allí en el campo, enfrente de mi casa.

En realidad, me había contratado para Renato Castellani, para su película "Mare matto" (1), rodada en Messina, la primera cosa que hice en el cine. Después vinieron las demás: "La ricotta" (2), "El Evengelio según San Mateo", "Pajaritos y pajarracos", "Le soldatesse" y "La Biblia".

¿Por qué abandonó el cine tan pronto?

Dejé de hacer películas porque eran los años sesenta, estaba el boom económico y era necesario que me quitara la ropa, y yo no tenía demasiado interés, no tenía un gran físico, como hubiese querido. Además no tenía demasiado apoyo por parte de mi familia y nunca había pensado en el cine como mi futuro; tendría que haber estudiado, y eso no lo había pensado.

Ahora me gustaría volver, claro que me gustaría volver. He de contactar con Gianni di Gregorio a ver si necesita de una persona como yo.

¿Qué recuerdos guarda de Pier Paolo Pasolini?

Cuando pienso en Pasolini, pienso en una persona dulcísima, una persona que te hacía estar siempre a gusto, afable y cortés, con su voz y sus gestos, un gran comunicador. A menudo iba a su casa, pues conocía a su madre y a su prima. Un hombre de gran cultura y gran carisma.

(1) Titulada en España "Pensión a la italiana".
(2) Episodio dirigido por Pasolini del filme colectivo "Ro.Go.Pa.G".

Esta semana nos han dejado...

2011-02-06T10:53:00.000-08:00

Michael Tolan

Veterano actor norteamericano de cine, teatro y televisión. Debutó en la pantalla grande en 1951 con “Sin conciencia”, dirigida por Bretaigne Windust y protagonizada por Humphrey Bogart. Otras películas suyas son “La hora de las pistolas” (John Sturges, 1967), “Empieza el espectáculo” (Bob Fosse, 1979), “Presunto inocente” (Alan J. Pakula, 1990) o “Seduciendo a un extraño” (James Foley, 2007). Era muy corriente verlo interpretar a médicos. Estuvo casado con la actriz Rosemary Forsyth.

Charles E. Sellier Jr.

Productor, escritor y realizador norteamericano, candidato en 1980 al premio Emmy. La temática de sus producciones, casi siempre televisivas, gira en torno a lo desconocido/conspiranoico. A su haber tiene títulos como “The Bermuda triangle” (Richard Friedenberg, 1979), “In search of historic Jesús” (Henning Schellerup, 1979) o “Hangar 18” (James L. Conway, 1980). También produjo la famosa serie “Grizzly Adams”. Los aficionados al cine terrorífico lo recordarán como el director de “Noche de paz, noche de muerte” (1984).

Maria Schneider

Actriz parisina cuya carrera se vio inevitablemente supeditada a su mítico papel de Jeanne en “El último tango en París” (Bernardo Bertolucci, 1972). Tal fue el éxito de dicha película que una posterior, “Cari genitori” (1973), dirigida por Enrico Maria Salerno, se tituló en nuestro país “El último adiós en Londres”. Después trabajó a las órdenes de Michelangelo Antonioni en “El reportero” (1975) y prácticamente desapareció del mapa. Siguió interviniendo en películas de escaso éxito y, pese a haber trabajado con autores como Jacques Rivette, René Clement, Luigi Comencini o Marco Bellocchio, siempre será recordada por su papel en la película de Bertolucci, a quien, paradójicamente, nunca perdonó que la manipulase para conseguir de ella lo mejor de sí misma.

Lena Nyman

También ha fallecido la inolvidable Lena del controvertido díptico “Soy curiosa – Amarillo” (1967) y “Soy curiosa – Azul” (1968), dirigidas por Vilgot Sjöman. Esta actriz sueca también participó en “El padre” (Alf Sjöberg, 1969) y en “Sonata de otoño” (Ingmar Bergman, 1978), entre otras. También era poseedora de una importante carrera teatral.

Tura Satana

Otra actriz de culto, la sensacional Varla de "Faster pussycat! Kill! Kill!" (Russ Meyer, 1965). Esta actriz norteamericana nacida en Japón debutó a las órdenes de Billy Wilder en "Irma la dulce" (1963), pero fue con la cinta de Meyer con la que entró en la mitomanía del cine. Por desgracia, pocas ocasiones más tuvimos para verla en la gran pantalla, con "The astro-zombies" (Ted V. Mikels, 1968), como su segunda mejor aparición. Su difícil vida bien podría ser merecedora de un biopic.

Rossana Di Rocco, el ángel de Pasolini

2011-02-02T07:30:00.001-08:00

Un ángel real en "El Evangelio según San Mateo" (1964).

Y un ángel ficticio en "Pajaritos y pajarracos" (1966).

Han fallecido...

2011-01-31T09:39:00.000-08:00

Bruce Gordon

Este veterano actor estadounidense obtuvo mucha popularidad con el papel de Frank Nitti en la serie “Los intocables”. A principios de los cuarenta participó en el reparto de la obra “Arsénico por compasión”, junto con Boris Karloff. Muy activo en televisión, donde actuó en series como “La ley del revolver”, “Peyton Place” o “Bonanza”. Su aspecto de tipo duro lo hizo ideal para interpretar gángsteres. En cine lo vimos en “Amor en conserva” (David Miller, 1949), “Curse of the undead” (Edward Dein, 1959), “Cuando el hampa dicta su ley” (Phil Karlson, 1960) y “Timerider - El jinete del tiempo” (William Dear, 1982), entre otras.

María Mercader

Actriz barcelonesa cuya carrera se desarrolló en su práctica totalidad en Italia. Trabajó para Benito Perojo en “Marianela” (1940). Durante la década de los cuarenta fue una de las actrices favoritas de Carlo Ludovico Bragaglia. En 1942 actuó a las órdenes del que sería el gran amor de su vida, Vittorio de Sica. Fue en “Recuerdo de amor”. También la dirigió en “La puerta del cielo” (1945) y en “Cuore” (1948). Finalmente se pudieron casar en 1968. A principios de los cincuenta se retiró del cine y solo volvió esporádicamente, con películas como “La casa del sorriso” (Marco Ferreri, 1988) o “Il conte Max” (1991), dirigida por su hijo Christian de Sica.

Francisco Maestre

A los 53 años ha fallecido este actor extremeño, ganador del premio de la Unión de Actores Españoles por su papel en “Barrio” (Fernando León de Aranoa, 1999). En las tablas también fue galardonado con el Premio Max de 1989 por “Pelo de tormenta”, de Francisco Nieva. En televisión lo vimos en series como “Los pazos de Ulloa”, “Los jinetes del alba”, “El comisario” o “Amar en tiempos revueltos”, durante el rodaje de la cual se indispuso fatalmente. Otras películas en las que intervino fueron “La marrana” (José Luis Cuerda, 1992), “Acción mutante” (Álex de la Iglesia, 1993), “Todos a la cárcel” (Luis Gª Berlanga, 1993), “La mala educación” (Pedro Almodóvar, 2004) o “La herencia Valdemar” (José Luis Alemán, 2010).

John Barry

Uno de los músicos contemporáneos más célebres. Ganador de cinco premios Oscar por “Nacida libre” (James Hill, 1966), “El león en invierno” (Anthony Harvey, 1968), también ganadora del premio BAFTA; “María, reina de Escocia” (Charles Jarrott, 1971), “Memorias de África” (Sydney Pollack, 1985) y “Bailando con lobos” (Kevin Costner, 1990). También son justamente famosas sus bandas sonoras para la saga de James Bond.

Les demoniaques (Jean Rollin, 1973)

2011-01-28T09:03:00.000-08:00

Con Joëlle Coeur, Lieva Lone, Patricia Hermenier, John Rico, Willy Braque, Paul Bisciglia, Louise Dhour, Ben Zimet, Mireille Dargent, Miletic Zivomir, Isabelle Copejans, Yves Colignon, Veronique Fanis, Monika [Monica Swinn], Jacqueline Priest, Anne Watticant, Jean-Pierre Bouyxou, Raphael G. Marongiu, Sylvio Dieu, Gilbert Schnarbach y Yann.

Una banda de piratas a los que se nos presenta al principio de la película como extremadamente malvados, vejan a dos jóvenes náufragas que encuentran en la playa. Las dan por muertas, pero han sobrevivido y se han refugiado en unas ruinas sobre las que pesa una maldición. Allí liberan a un extraño personaje que se encontraba encerrado y que les promete la venganza que ellas desean.

Joëlle Coeur

Contemplar un filme de Jean Rollin siempre es una experiencia. Placentera para unos, irritante para los más, pero que a nadie deja indiferente. Rollin era un autor, mal que pese a muchos, con un universo propio y una sensibilidad estética muy acentuada.

Lieva Lone y Patricia Hermenier

Él mismo presenta esta película bajo el epígrafe de un filme expresionista, aunque yo siempre he considerado al realizador un simbolista, tanto en el aspecto temático como en el visual. Utiliza su visión de lo irracional como traslación de diferentes estados de ánimo. Y lo hace con una imaginería en la que la religión cristiana adquiere una significación habitualmente antagónica a sus dogmas. Lo sagrado se muestra en el cine de Rollin como sacrílego. Esto ocurre en la escena en la que una imagen de Cristo de tamaño natural cae sobre el cuerpo de Joëlle Coeur. Ella intenta liberarse del peso de la estatua en una coreografía que bien podría asemejarse a dos cuerpos manteniendo relaciones sexuales.

Lieva Lone y Patricia Hermenier

Realizada después de “La rose de fer”, que fue todo un fracaso en taquilla, Rollin se la vuelve a jugar, esta vez con una película de piratas, en la que homenajea al cine de aventuras, del que fue un ávido espectador. Pero lo hace, claro, desde su prisma, pues entre sus propósitos entra también la intención de homenajear al cine alemán anterior a 1933.

Mireille Dargent

Así, entre los extraños personajes que pueblan el metraje encontramos a una mujer disfrazada de payasa que adentra a las jóvenes en la isla, y les presenta a una especie de eremita barbudo y a un individuo que, en teoría, representa al diablo en persona y que solo puede ser liberado por ellas. También hay una mujer que se comunica con los muertos. Seres demoníacos contra seres demoníacos se dan cita aquí.

Louise Dhour y Monica Swinn

“Les demoniaques” es un largometraje completamente diferente al resto de la filmografía de Rollin, pero que, no obstante, cuenta con el sello típico de su realizador. Desde los aspectos visuales, con unos bellísimos nocturnos iluminados de manera inusual y la habitual querencia de Rollin por las ruínas y el terror gótico. Pero también sus personajes, como en tantas ocasiones, se ven arrastrados al drama. Y lo hacen de una manera incluso más trágica que en otros de sus largometrajes.

Lone y Hermenier

Mientras estaba viendo la película pensaba cuánto me hubiera gustado que las náufragas fuesen interpretadas por las gemelas Marie-Pierre y Catherine Castel, habituales en el cine de Rollin. Con posterioridad he leído que Rollin sí que pensó en las hermanas para estos papeles, pero que no pudieron participar por problemas de calendario. En su lugar figuran un par de modelos tan guapas y esbeltas como inexpresivas.

Ben Zimet, Mireille Dargent y Miletic Zivomir

Frente la poca soltura que muestran ellas ante la cámara nos encontramos la gesticulación exagerada del resto del reparto, buscada por el realizador. John Rico y Willy Braque se muestran sobreactuados en todo momento: sus cuerpos se contorsionan de manera poco natural, pero todo ello forma parte de ese expresionismo que busca Rollin en sus personajes.

Joëlle Coeur y John Rico

Mención especial merece la actriz Joëlle Coeur, fascinante en su papel de pérfida pirata que se excita observando como sus compañeros violentan a las jóvenes. Uno de los mejores papeles de esta bella actriz, tan misteriosa que apenas se sabe nada de su vida privada.

En resumen, estamos ante una película difícil de contemplar (aunque no tanto como otras del director). Pero es que en materia cinematográfica somos mucho más conservadores que en otras artes. Las vanguardias todavía sobreviven (en demasiadas ocasiones bastardeadas) en las artes pictóricas, pero ante una pantalla de cine, el espectador medio va siempre hacia lo fácil.

Lieva Lone

Mucha gente mete en el mismo saco a Rollin y a Jesús Franco, y siempre de forma despectiva. Lo bien cierto es que sí que tienen puntos en común estos realizadores, pero no su cine. Ambos son (en el caso de Rollin, fue) unos grandes cinéfilos. Su cultura fílmica es vastísima y les ha servido para poder hacer finalmente lo que les ha dado la gana. Volviendo al ejemplo de la pintura, Tàpies tiene un dominio perfecto del dibujo, a pesar de que su obra es pura abstracción. Pero se han de conocer perfectamente los resortes de un arte para jugar con ellos como te plazca.

Patricia Hermenier

No se la pierdan y opinen qué les ha parecido.

¿Sabías que…?

Entre los diversos títulos de rodaje estuvieron “Deux vierges pour Satan”, “Les Diablesses” y “Tina, la naufrageuse perverse”.

Rollin fue hospitalizado una vez finalizado el rodaje, pues se encontraba totalmente exánime.

Mireille Dargent también fue una payasa en “La rose de fer”.

Ben Zimet es más conocido por su carrera como cantante de música típicamente yiddish. Aquí, un ejemplo:

Escenas horrorosas del cinema bis (IV)

2011-01-26T09:05:00.000-08:00

The devil's men (Kostas Karagiannis, 1976)

Es una lástima que las anteriores entregas de esta serie ya no estén disponibles. Intentaré ponerlas en alguna página que sea menos susceptible que youtube.

Mientras, les dejo con toda una extravagancia. Una película griega con Donald Pleasence y Peter Cushing en el reparto y con una banda sonora compuesta por Brian Eno. Suena interesante pero, desgraciadamente, peor no puede ser. Me ha resultado francamente difícil elegir qué escena poner entre tantos y tantos disparates que contiene el metraje.

La historia va sobre una secta que ofrece sacrificios humanos a un ridículo minotauro de piedra que expele fuego por el hocico. Donald Pleasence es un religioso que se enfrenta a estos encapuchados. Para ello cuenta con la colaboración de unos actores que son para echarse a llorar.

En esta escena, la final del filme (si tienen la intención de verlo, mejor no lo pongan ni sigan leyendo), vemos como Donald Pleasence desbarata los planes de la secta con la inestimable ayuda de un crucifijo y agua bendita. Muy original.

Fíjense cuando el encapuchado se lanza hacia su presa para matarlo. Cómo se queda quieto esperando la reacción del sacerdote, como diciéndole: “¿A qué esperas? Apresúrate, que me lo voy a cargar”.

Y qué me dicen de las magníficas explosiones. Pues así es esta película: pretende inquietar y asustar, pero se queda en una comedia involuntaria. Las vacaciones griegas de dos grandes actores.

La dinamita está servida (Fernando Merino, 1968)

2011-01-19T09:38:00.000-08:00

Con Tony Leblanc, Alfredo Landa, Manolo Gómez Bur, Laura Valenzuela, Rafael Alonso, María Silva, Francisco Piquer, Charles Stalnaker, Tomás Blanco, Cris Huerta, Fernando Sánchez Polack, Julia María Tiedra, Juan Antonio Arévalo, Guillermo Lanaro, Antonio Martín, Noel Clarasó y Eric Chapman.

El rey del imaginario país de Chaila viaja a la Costa Brava con todos sus criados y su harén de diecinueve mujeres. En el hotel en el que se hospedan también se encuentra un asesino al que ha contratado la oposición de su país con el encargo de asesinarlo. Por otra parte, también se encuentra un enviado de Estados Unidos encargado de evitar cualquier atentado. Por si eso fuera poco, Mike y Dory, una pareja de bribones de poca monta, obsesionados con Bonny & Clyde, pretenden hacerse con las joyas del rey. Y en medio de todos ellos, una pareja de recién casados.

Laura Valenzuela

Producida por José Luis Dibildos, que participó también en el guión, poniendo los diálogos a una historia ideada por el polifacético Noel Clarasó, autor de guiones como los de “El diablo toca la flauta” (1954), “Ana dice sí” (1958) o “Julia y el celacanto” (1961) y que en esta aparece brevemente.

Laura Valenzuela y Alfredo Landa

Fue una de las tres películas que Dibildos firmó con Tony Leblanc. Las anteriores fueron “Los subdesarrollados” y “Los que tocan el piano”. Junto a él, Dibildos pone a su prometida, Laura Valenzuela, con la que se casaría tres años más tarde. Como hemos dicho antes, ambos forman una pareja que se ve reflejada en la formada por Bonnie Parker y Clyde Barrow, no en vano la famosa cinta de Arthur Penn que retrataba sus fechorías se había estrenado solamente dos meses antes. Sus poses y vestuario son similares, pero hay que ver qué bien le sienta la gorra a Laura Valenzuela.

Manolo Gómez Bur y María Silva

Así pues, podemos decir que estamos ante una comedia de carácter claramente paródico y que poco a poco va adquiriendo tintes cada vez más absurdos, que remiten tanto al cartoon como al cine cómico mudo, con sus persecuciones alocadas y constantes equívocos. La parte final de la película es un festival de carreras, peleas y explosiones ejecutadas con un ritmo frenético en la que apenas hay un momento de respiro para el espectador.

Tomás Blanco, Rafael Alonso y Francisco Piquer

No es una comedia despreciable, en absoluto. Es disparatada y bastante divertida. Hay varios diálogos muy ocurrentes, como el de Tony Leblanc vociferando a Alfredo Landa mientras le ofrece droga: “¡Vas a entrar en el mundo de la psicodelia!”.

Laura Valenzuela y Tony Leblanc

Además de los mencionados Leblanc y Valenzuela, encontramos a un reparto muy nutrido de excelentes profesionales, con Alfredo Landa y sus viajes psicotrópicos. También hay que recalcar el trabajo de Manolo Gómez Bur, siempre tan divertido, así como el de un irreconocible Rafael Alonso como el mujeriego rey. Precisamente, María Silva se convierte en uno de sus objetivos . Un reparto, en general, muy apreciable y similar al de “Los subdesarrollados”.

Tony Leblanc, Manolo Gómez Bur y María Silva

La dirección recayó en Fernando Merino, un hombre de la factoría Dibildos, que siguió una carrera bastante oscura, habitualmente dirigiendo comedias de poco fuste. Con esta película consiguió su mayor éxito de público.

María Silva, Alfredo Landa y Manolo Gómez Bur

Fue rodada en el hotel Cap Sa Sal de la localidad gerundense de Begur, un impresionante hotel con extraordinarias vistas que, curiosamente, no permaneció abierto muchos años.

Destaquemos, por último, la banda sonora de Antón García Abril, muy dixieland.

Francisco Piquer, Rafael Alonso y Cris Huerta

¿Sabías que…?

Fue durante la promoción de esta película cuando Laura Valenzuela anunció su futura boda con el productor.

Título de rodaje: “La dinamita está a punto”.

Han fallecido...

2011-01-17T08:32:00.000-08:00

Peter Yates

Sólido realizador británico, antiguo ayudante de Tony Richardson. Su primera película fue “Summer holiday” (1963), musical protagonizado por Cliff Richard y the Shadows. En 1968 dirigió una de sus películas más reconocidas, “Bullitt”, con una imprescindible escena de persecución de coches que ha pasado a los anales de la historia. También fue el autor de películas tan interesantes como “Un diamante al rojo vivo” (1972), “Abismo” (1977), “El relevo” (1979), “El ojo mentiroso” (1981) o “La casa de Carroll Street” (1988). Su último largometraje fue “Llamada a escena” (1998). Fue dos veces candidato al Oscar al mejor director. También frecuentó el teatro y la televisión.

Juanito Navarro

Uno de nuestros cómicos más conocidos y queridos. Toda una vida en los escenarios, en los que protagonizó infinidad de revistas y fue pareja recurrente en diferentes épocas de Lina Morgan, Simón Cabido y Antonio Ozores. En cine debuta a las órdenes de José Luis Sáenz de Heredia en “Relaciones casi públicas” (1968). Su carrera cinematográfica va muy ligada al nombre de Mariano Ozores, para quien protagonizó más de una docena de películas. También se hizo un nombre muy popular en televisión, desde sus apariciones en “Estudio 1” hasta sus intervenciones en el concurso “1, 2, 3… responda otra vez”.

David Nelson

El hermano mayor de Ricky Nelson, protagonizó junto con este y sus padres “Here comes the Nelsons” (1952). El éxito de esta película se prorrogó con la serie “The adventures of Ozzie & Harriet”, que se mantuvo en antena durante 14 años. Intervino en unas cuantas películas más y su última aparición fue en “Cry Baby, el lágrima” (John Waters, 1990), en la que interpretaba al padre de Traci Lords. También dirigió cinco películas de las que solo se estrenó en nuestro país “Con pasaporte en el infierno” (1983).

Susannah York

También ha fallecido esta excelente actriz inglesa, candidata al Oscar a la mejor actriz secundaria por “Danzad, danzad, malditos” (Sydney Pollack, 1969), por la que sí ganó el premio BAFTA. Tuvo papeles destacados en “Freud, pasión perfecta” (1962), “Tom Jones” (Tony Richardson, 1963), “El asesinato de la hermana George” (Robert Aldrich, 1968), “Images” (Robert Altman, 1972), por la que ganó un premio en Cannes; “Testigo silencioso” (Daryl Duke, 1978) o “The calling” (Jan Duna, 2009), su último filme. También fue Lara, la madre de Supermán, en sus aventuras cinematográficas. Nunca olvidaremos sus preciosos ojos.

Augusto Algueró

Hijo del también compositor Augusto Algueró, este músico tiene en su haber gran parte de la banda sonora de las vidas de muchos españoles. Suyas son canciones tan célebres como “Penélope”, “Noelia”, “Tómbola” o “La chica ye-yé”. Compuso muchísimas bandas sonoras, entre las que podemos destacar “Las chicas de la cruz roja” (Rafael J. Salvia, 1958), “El día de los enamorados” (Fernando Palacios, 1959), “091 policía al habla” (José María Forqué, 1960) o “El túnel” (Antonio Drove, 1987).

También hemos de mencionar la temprana muerte de Trish Keenan, vocalista de la banda de Birmingham Broadcast. Aquí les dejo una de sus piezas.

Los extraños efectos de los cócteles de Gracita Morales

2011-01-11T07:05:00.000-08:00

En Manolo Gómez Bur.

En Saza.

En Antonio Ozores.

Berti-Donnadieu-Postlethwaite-Francis-Piquer

2011-01-09T02:08:00.000-08:00

Aldo Berti

Actor característico dentro del western mediterráneo. En este género lo vimos en títulos como "Dos mil dólares por Coyote" (León Klimovsky, 1966), "Hasta que llegó su hora" (Sergio Leone, 1968), "El Puro se sienta, espera y dispara" (Edoardo Mulargia, 1969) o "Buen funeral, amigos, paga Sartana" (Giuliano Carnimeo, 1971). En la estupenda "Un angelo per Satana" (Camillo Mastrocinque, 1967) interpretó un sorprendente doble papel. En esa película coincidió con uno de sus grandes amores, Barbara Steele. Otros fueron Sarah Churchill y Gabriella Ferri. Su vida es digna de una película, pues una vez retirado del cine a principios de los setenta, se dedicó a viajar compulsivamente, e incluso fue secuestrado.

Bernard-Pierre Donnadieu

A los 61 años ha fallecido a causa de un cáncer este magnífico actor galo, al que ya se le pudo ver en un pequeño papel en "El quimérico inquilino" (Roman Polanski, 1976). Fue el verdadero Martin Guerre en "El regreso de Martin Guerre" (Daniel Vigne, 1982). Candidato al premio César al mejor actor secundario por "El más salvaje entre todos" (Gilles Béhat, 1984), ganó el premio al mejor actor en Fantasporto por su papel en "Desaparecida" (George Sluizer, 1988). Su última aparición cinematográfica fue en "París, París" (Christophe Barratier, 2008).

Pete Postlethwaite

Reconocible actor británico de procedencia teatral, que estuvo a punto de ganar el Oscar al mejor actor secundario por "En el nombre del padre" (Jim Sheridan, 1993). Entre sus actuaciones, siempre magníficas, caben destacar las de "Función privada" (Malcolm Mowbray, 1984), "Sospechosos habituales" (Bryan Singer, 1995), "Tocando el viento" (Mark Herman, 1996) o la reciente "Origen" (Christopher Nolan, 2010).

Anne Francis

Se nos ha ido también la adorable Alta de la singular "Planeta prohibido" (Fred M. Wilcox, 1956), uno de los iconos del amante del cine de ciencia-ficción. Su carrera, dividida entre el cine y la televisión, no despuntó como era de esperar, a pesar de su belleza y sus buenas maneras. En la pantalla grande también la vimos en "Semilla de maldad" (Richard Brooks, 1955), "Girl of the night" (Joseph Cates, 1960), "Estación 3 ultrasecreto" (Joh Sturges, 1965) o en "Desafío al destino" (William Conrad, 1965). En televisión participó en series tan atractivas como "Alfred Hitchcock presenta", "La dimensión desconocida", "La isla de la fantasía" o "La rubia peligrosa", en la que era la protagonista principal.

Juan Piquer Simón

Uno de los realizadores españoles más entuasiastas del cine fantástico, y también uno de los más reconocidos internacionalmente. Este valenciano debutó en 1976 con una ambiciosa adaptación de la novela de Julio Verne "Viaje al centro de la tierra", que solventó honestamente. En 1979 dirigió "Supersonic man", obra cumbre dentro del cine caspa hispano. Otras películas suyas, dirigidas con mucha convicción e irregular acierto, son "Misterio en la isla de los monstruos" (1981), que contó con Terence Stamp y Peter Cushing; el slasher "Mil gritos tiene la noche" (1982), todo un éxito en los Estados Unidos; "Slugs, muerte viscosa" (1988) o "La grieta" (1990). Pese a la nefasta Ley Miró, fue uno de los contados realizadores que siguió dirigiendo cine de género.

Y nos despedimos con Baker Street, el mayor éxito comercial en la carrera de Gerry Rafferty, también fallecido hace unos días.

Proyecto Lucio Fulci (II): I ragazzi del juke-box (1959)

2011-01-04T00:13:00.000-08:00

Con Tony Dallara, Elke Sommer, Betty Curtis, Antonio de Teffè, Fred Buscaglione e i suoi Asternovas, Adriano Celentano e la Modern Jazz Gang, I Campioni, Gianni Meccia, Giacomo Furia, Benny [Benedetta] Rutili, Ivette Masson, Giuliano Mancini, Mario Carotenuto, Mario Ambrosino (n.a.), Mara Fiè (n.a.), Karin Well [Wilma Truccolo] (n.a.), Rossella D’Aquino (n.a.), Loretta Capitoli (n.a.), Gianni Riomi (n.a.), Andrea Scotti (n.a.), Renato Mambor (n.a.), Gianni Loti (n.a.), Paola Patrizi (n.a.), Nino Musco (n.a.), Paolo Fiorino (n.a.) y Lucio Fulci (n.a.).

“Contrabando en Nápoles” tuvo una distribución muy reducida en Italia pero hizo que el nombre de Fulci comenzara a ponerse en boca de diferentes productores. Uno de ellos, Giovanni Adessi, lo contrata para dirigir la que será su segunda película como realizador.

La Fogna

Un largometraje históricamente importante, pues inaugura un subgénero que se pondría de moda durante unos pocos años: la comedia musical juvenil, con ritmos más modernos, como el rock’n’roll, que van escalando posiciones entre los gustos de los más jóvenes. Sus representantes son los llamados “urlatori” (chillones).

Tony Dallara entre una actriz no reconocida, Karin Well y Mara Fiè

En el guión, Fulci cuenta con la inestimable ayuda de Piero Vivarelli, todo un experto musical. Incluso alguna de las canciones que Celentano canta son obra suya.

Antonio de Teffè y Elke Sommer

La protagonista principal es la juke-box, o gramola, popularizada en Italia a partir de 1955. Ella es la narradora de la historia y la que nos presenta a los diferentes personajes. Como anécdota, ese mismo año se estrenó también “Juke box urli d’amore”, de Mauro Morassi, que ahondaba sobre el tema.

Antonio de Teffè entre Elke Sommer e Ivette Masson

La historia es bien sencilla: jóvenes, música y conflictos generacionales. Ocurre en el imaginario país de Festivalia, cuyo mapa coincide curiosamente con el de Italia. En el club “La Fogna” se reúnen los amigos para hacer aquello que más les gusta, cantar y tocar piezas modernas. Giulia es una de las chicas habituales del club. Es la hija del dueño de la discográfica IDC, dedicada a popularizar la tradicional canción italiana. De hecho, el lema de la casa es “Una madre para cada uno y una canción para cada madre”. Y a propósito de la música que produce y sus habituales temas melancólicos exclama: “¡quiero un mar de lágrimas!”.

Un jovencísimo Adriano Celentano

Mientras en La Fogna celebran festivales de música sussultata, el dueño de la discográfica planea la coronación de Claudio Appio como rey de la canción italiana. Algo a lo que Giulia y sus amigos no están dispuestos, por lo que deciden arruinar el acto televisado con canciones rock y un conato de striptease, que provoca que las autoridades pongan el grito en el cielo. El padre de Giulia pasa un día en la cárcel y enferma, por lo que es la misma Giulia la que se pone al mando de la discográfica y da una oportunidad a todos sus amigos.

Giacomo Furia y Mario Carotenuto

Cuando su padre se recupera y ve lo que ha hecho su hija, su enfado es mayúsculo pero finalmente ha de darle la razón, pues los resultados económicos de su aventura musical han sido mayúsculos.

Mario Carotenuto y Benny Rutili

Muchos números musicales se intercalan en la escasa trama. Hay un momento en que se enlazan las actuaciones de Betty Curtis, Gianni Meccia (genial su "Odio tutte le vecchie signore"), Tony Dallara e I Campioni. Además también podemos escuchar canciones de un joven Adriano Celentano (su primera película) y del singular Fred Buscaglione, que ya había participado en la anterior cinta de Fulci.

Antonio de Teffè, Rossella D'Aquino y Tony Dallara

La inevitable historia de amor está protagonizada por la alemana Elke Sommer y el romano Antonio de Teffè, que unos años más tarde adquiriría notoriedad con el seudónimo de Anthony Steffen en numerosos westerns. La guapa actriz, pese a que acababa de instalarse en Italia, se atrevió a recitar en italiano, aunque luego fuese comprensiblemente doblada.

Lucio Fulci y Fred Buscaglione

Hay que destacar la soberbia actuación cómica de Mario Carotenuto como el padre de Elke Sommer, así como la de Giacomo Furia, ya visto en “I ladri”. También podemos observar a unas jovencísimas Karin Well y Mara Fiè, guapísima actriz que con los años cambiaría su nombre por el de Gloria Milland.

Betty Curtis, Tony Dallara y Adriano Celentano

Una película muy simpática, rodada con buen ritmo por Lucio Fulci, teniendo en cuenta que los escenarios se reducen prácticamente a dos: el club y la discográfica. Por primera vez en su carrera se guarda un papelito a su medida. Es el único rasgo distintivo que reconocemos del todavía principiante realizador.

Benny Rutili, Elke Sommer, Giacomo Furia y Mario Carotenuto

Su siguiente largometraje, también producido por Addessi, reincidirá sobre el tema. Ya hablaremos de él.

¿Sabías que…?

Se estrenó un mes y medio más tarde que “Contrabando en Nápoles”, en plena canícula. Pese a ello, tuvo un notable éxito de público.

El título de rodaje fue “Ti dirò… che tu mi piaci”.

L'ossessa (Mario Gariazzo, 1974)

2010-12-30T09:50:00.000-08:00

Con Estella Carnacina, Chris Avram, Lucretia Love, Ivan Rassimov, Gabriele Tinti, Luigi Pistilli, Gianrico Tondinelli, Umberto Raho, Giuseppe Addobati, Piero Gerlini, Maria Teresa Piaggio, Edoardo Toniolo, Luigi Antonio Guerra, Gianni di Benedetto, Elisa Mantellini, Ignazio Bevilacqua, Paolo Celli, Raniero Dorascenzi y Bruna Beani.

Stella Carnacina se pone en la piel de una restauradora de obras de arte a la que se le encomienda la figura del ladrón malvado que fue crucificado junto a Cristo. Una vez en su taller y mientras ella está trabajando en una pintura, la figura cobra vida y posee a la joven. A partir de este momento, la chica comienza a mostrar síntomas de posesión diabólica, por lo que sus padres se ven obligados a contratar los servicios de un exorcista.

Lucretia Love y Piero Gerlini

Estamos ante otro de los muchos plagios de “El exorcista”. Como no podía ser de otra forma, Gariazzo afirmó lo siguiente: "Cuando dirigí L'ossessa, la película de Friedkin, El exorcista, todavía no se había realizado; sin embargo, el distribuidor retuvo mi cinta en un cajón durante años antes de que el éxito de la película americana lo empujara a distribuirla". Nonsense. Si esto hubiera sido cierto, lo que Gariazzo debiera haber hecho es demandar a la Warner por haberle fusilado diferentes ideas como los vómitos verdes o la muerte final del exorcista, entre otras.

Gabriele Tinti, preparado

Luigi Pistilli

Es una verdadera lástima que una trama que había comenzado tan bien se encaminara finalmente por la copia barata. En efecto, hay muchos detalles en esta película que hace que aventaje a otras similares. Los padres de la protagonista, interpretados por Chris Avram y Lucretia Love, se llevan mal. Ella lo engaña con Gabriele Tinti, y prácticamente sin ocultarse. Y para mayor transgresión a la institución familiar, sus relaciones con Tinti son de aspecto sadomasoquista. El cuerpo de la Love está repleto de las marcas que su amante le deja al fustigarla con rosas (!).

Estella Carnacina crucificada

Sin duda, la escena en la que la escultura logra reanimarse es la mejor de todo el metraje. Con unos estupendos efectos especiales de Carlo Rambaldi (supuestamente, pues es Paolo Ricci quien consta en los créditos), que de la necesidad hace virtud, consigue que un cuerpo inanimado se transmute en el del actor Ivan Rassimov, que representa con sumo acierto el mal total. Un momento de gran intensidad dramática que desgraciadamente es el pico de la película.

Ivan Rassimov

Chris Avram y Lucretia Love

A partir de este momento es cuando la trama toma la estructura de “El exorcista”, con los médicos preguntándose a qué pueden deberse los ataques y los estigmas que sufre la paciente y con su posterior traslado a un monasterio para que sea un exorcista quien se encargue de desbaratar los planes del diablo, aunque sea pagando con su propia vida. Todo demasiado visto, aunque haya alguna escena onírica bastante sabrosa.

Estela Carnacina

Pasemos al reparto, bastante interesante. Bien Stella Carnacina como la poseída, aunque este sea un papel muy agradecido para cualquier tipo de actor, cuanto más histrión mejor. Lucretia Love , muy atrevida, se muestra totalmente desnuda en la escena con Tinti, mientras Chris Avram se mantiene tan envarado como siempre (era un actor semejante a nuestro Javier Escrivá, incapaz de despeinarse). Ivan Rassimov está brutal como el demonio: su mirada refleja la iniquidad. misma Destaca también el gran Luigi Pistilli, que interpreta al sacerdote encargado de exorcizar a la muchacha, que en un momento dado se tiene que flagelar, pues la endemoniada se le ha insinuado carnalmente.

Bruna Beani

En resumen, una imitación de un género que todavía colea (esta semana se estrena la española "El exorcismo de Emma Evans"), con una buena primera parte y un desarrollo totalmente previsible.

¿Sabías que…?

Entre los muchos títulos por los que es conocida, destacan por lo divertidos, “The sexorcist” (USA), “La última tentación del anticristo” (Argentina) y “The eerie midnight horror show” (Vídeo USA que copia incluso el cartel de “The Rocky horror picture show”).

Stella Carnacina sufrió numerosas herpes debido a los protéticos de la época.

Otra aventura musical. Stella Carnacina también sacó varios discos durante los setenta. Su mayor éxito fue “Rosso sera”.

Para finalizar el año, aquí tienen a Stella Carnacina en un jurásico anuncio de vino espumoso que, como pueden ver, es tan ridículo y hortera como el que Shakira protagoniza este año. Que en 2011 consigan lo que siempre han deseado.

Bang Bang Kid (Luciano Lelli, 1967)

2010-12-28T09:31:00.000-08:00

Con Guy Madison, Tom Bosley, José María Caffarel, Riccardo Garrone, Dyanik Zurakowska, Giustino Durano, Eugenio Galadini, Pino Ferrara, Ennio Antonelli, Luciano Bonanni, Mimo Poli, Mario Dani, Janine Nardelli, Sandra Milo, Renato Chiantoni (n.a.), Nazzareno Natale (n.a.), Ben Tatar (n.a.), Federico Boido (n.a.) y Umberto Raho (n.a.).

Un insignificante inventor llega un buen día a un pueblo dispuesto a derrotar al cacique local. Para ello contará con la inestimable ayuda de uno de sus artefactos: un robot teledirigido hecho a imagen y semejanza suya.

¿Eugenio Galadini?, Pino Ferrara y Giustino Durano

Es cierto que comedias del oeste se han hecho muchas, y que en Europa, antes del boom Trinidad ya existían un buen número, como “Dos vivales en Fuerte Álamo” (Giorgio Simonelli, 1965) o “Los héroes del Oeste” (Steno, 1965). Incluso antes de que Sergio Leone popularizara el western teníamos películas como “Torrejón City” (León Klimovsky, 1962), por lo que no debe extrañarnos la existencia de un euro-western manifiestamente cómico. Lo que sí que hace de esta “Bang bang kid” algo insólito es la absurda trama que antes hemos resumido.

Sandra Milo y Tom Bosley

No solo la presencia de un estúpido robot es la nota discordante. Además, el despótico personaje que gobierna a las gentes del pueblo vive en un castillo europeo (el madrileño castillo nuevo de Manzanares El Real), sino que en muchas ocasiones se le ve, tanto a él como a otros personajes, disfrazados con ropas medievales.

WTF?

Toda una rareza, como vemos, pero desgraciadamente su calidad es ínfima. La comicidad brilla solo a ratos y se basa más en el aspecto visual que en los diálogos, bastante pobres.

Tom Bosley y su criatura

Hay un baile de nombres en torno a la persona que dirigió esta película. En los títulos de crédito aparece únicamente el tal Luciano Lelli, que sabemos que dirigió otra película al año siguiente, el western “Ragan”. Pero de este Lelli poco o nada sabemos. No consta dato alguno de él en los diccionarios especializados e incluso hay quien apunta que se trata de un seudónimo del oscuro realizador televisivo Stanley Prager. Para acabar de complicar las cosas, tanto en IMDB como en otras fuentes aparece como codirector Giorgio Gentili, habitual ayudante de dirección. Todo un misterio, pues, encierra la autoría del filme.

Riccardo Garrone, Sandra Milo y Guy Madison

El papel principal está interpretado por el cómico norteamericano Tom Bosley, recientemente fallecido, a quien recordarán como Amos, el inseparable compañero de la Srta. Fletcher en la serie “Se ha escrito un crimen”. Su carrera, principalmente televisiva, comprendía títulos como “Happy days” o “Los misterios del padre Dowling”.

Umberto Raho

Su némesis está interpretado por el también estadounidense Guy Madison, actor en horas bajas que se vino a Europa a ver si lograba que su carrera despegase de una vez por todas. Sandra Milo, que un par de años antes había trabajado para Fellini y Dino Risi, interpreta el principal papel femenino con mucho desparpajo. Es de lo más destacable del conjunto. Entre el resto del reparto, destacan el cómico papel de Riccardo Garrone, muy cartoon (a mí me recuerda al inolvidable Coyote de Chuck Jones); y la presencia de nuestra adorada Dyanik Zurakowska, con un papel bastante secundario pero que finalmente cobra importancia y hasta logra casarse con el protagonista.

Sandra Milo, espectacular

Es una de las muchas producciones que Sidney Pink rodó en Europa, y la banda sonora es de Nico Fidenco.

Guy Madison y Sandra Milo

En resumen, una coproducción solo apta para los muy curiosos o los completistas, pues al amante del western no creo que satisfaga en absoluto.

Tom Bosley y Dyanik Zurakowska

¿Sabías que…?

Fue distribuída en DVD nada menos que por la Troma. Ya se pueden imaginar.

Antecedentes de la escena del ascensor de "El resplandor"

2010-12-23T23:59:00.000-08:00

De esta escena de la genial "El resplandor" se ha hablado mucho.

Pero curiosamente en los años sesenta, Antonio Margheriti rodó dos escenas con fluidos bastante similares a las de la cinta de Kubrick. Fue en "I criminali della galassia" (1965), en la que el líquido también es sangre; y en "Contronatura" (1969), en la que se trataba de lodo. No deja de ser una curiosidad.

I criminali della galassia

Contronatura

Proyecto Lucio Fulci (I): Contrabando en Nápoles (1959)

2010-12-21T09:11:00.000-08:00

Vamos a intentar hacer un repaso a toda la filmografía de Lucio Fulci. Del genial director romano tan solo se habla de una etapa de su larga trayectoria y no se suele hacer caso de gran parte de su filmografía. Con este proyecto pretendemos dar a conocer, aunque sea someramente, todas y cada una de sus realizaciones, muchas de ellas inéditas en España.

Comenzamos, como no podría ser de otra manera, con su opera prima, titulada en Italia “I ladri”. Fíjense en la sutil diferencia entre el cartel italiano y el español.

Con Giovanna Ralli, Armando Calvo, Totò, Giacomo Furia, Enzo Turco, M. Luisa Rolando, Rafael [Luis] Calvo, Juan José Menéndez, Roberto de Simone, Fred Buscaglione, Félix Fernández (n.a.), Leopoldo Valentini (n.a.), Maribel Alonso (n.a.) y Mara Lasso (n.a.).

Fulci ya contaba en 1959 con una buena lista de guiones escritos. Todos eran comedias y muchos de ellos habían sido puestos en imágenes por su mentor Steno. Nacido Stefano Vanzina, Steno era un estrecho colaborador de Mario Monicelli, con quien había codirigido varias comedias. Fulci también había participado como ayudante de Steno en varias de sus películas. Muchos de sus guiones los escribió al servicio de la comicidad del gran Totò, como “L’uomo, la bestia e la virtù” (Steno, 1953) o “Totò all’inferno” (Camillo Mastrocinque, 1955). Entre Fulci y el genial actor se forjó con los años una buena amistad. Es por esto que el actor se mostró dispuesto en participar en la primera película de Fulci como realizador. Un salto a la dirección que, según el propio el propio cineasta, se debió simplemente a que necesitaba dinero, pues se acababa de casar. Por supuesto, se trató de una comedia.

Totò

La trama gira alrededor de un Vincenzo, un trabajador portuario que encuentra una lata de mermelada con muchas monedas dentro. Se trata de parte del botín de un gángster, Joe Castagnato, que ha regresado a Italia desde Estados Unidos con todo un botín escondido de esa manera. Vincenzo se lo cuenta a su mujer, y esta ata cabos, por lo que deciden visitarlo con la intención de chantajearlo. No lo consiguen, pero se ven envueltos en un importante robo.

Giovanna Ralli y Giacomo Furia.

Así pues tenemos una película de gángsteres pero enfocada bajo un prisma cómico. En su época se la menospreció por su gran parecido a “Rufufú” (1958), el exponente más famoso de este subgénero, con la que compartía además el protagonismo de Totò, aunque en este caso interpretaba al comisario de policía que debe detener al malicioso Castagnato. Toda la crítica del momento coincidió en que la película era bastante floja y que lo más destacable de ella era la participación, precisamente del actor napolitano.

Giacomo Furia, Giovanna Ralli, Juanjo Menéndez y Armando Calvo.

Sin duda, “Contrabando en Nápoles” es inferior a la cinta de Monicelli, el guión tiene menos gracia (y eso que hay seis guionistas acreditados) y ciertamente Giovanna Ralli es una apreciable actriz, pero no puede competir con Claudia Cardinale. Con todo, no se puede decir que sea una comedia despreciable. Sus puntos álgidos son, sobre todo, los diálogos declamados por Totò, aunque en muchas ocasiones el espectador no coja las gracias de ese humor napolitano. Las escenas en las que aparece Totò semejan haber sido rodadas en muy poco tiempo, pues casi siempre se encuentra en el mismo despacho. Y es que el presupuesto con el que se contó fue muy escaso.

Armando Calvo y Rafael Luis Calvo.

Como se hizo en régimen de coproducción con España, podemos ver a algún que otro actor nacional entre el reparto. También vemos a Mara Lasso, sin acreditar, en una fiesta.

Roberto de Simone y Juanjo Menéndez.

También es de destacar la excelente fotografía en blanco y negro obra de Manuel Berenguer y Carlo Fiore. Y, por supuesto, la participación estelar del cantante Fred Buscaglione, que canta, en su particularísima manera, “Che notte”, en una de las escenas más memorables del filme. La podéis ver al final del post. No he conseguido averiguar quién es la chica del striptease. Cualquier ayuda será bienvenida.

Giacomo Furia y Giovanna Ralli.

Armando Calvo y Totò.

¿Sabías que…?

En nuestro país se estrenó directamente en programa doble. En Barcelona, en abril de 1960, junto con “Ama Rosa” (León Klimovsky, 1960), y en Madrid, en diciembre, con “Infierno en la ciudad” (Renato Castellani, 1959).

El último día de la guerra (Juan Antonio Bardem, 1970)

2010-12-20T01:41:00.000-08:00

Con George Maharis, Maria Perschy, Gustavo Rojo, John Clark, Jack Stuart [Giacomo Rossi-Stuart], Gérard Tichy, Sancho Gracia, Rubén Rojo, James Philbrook, Gerard Herter, Ralph Browne, Carl Rapp, Tomás Blanco, George Rigaud, Carlo Hintermann, Matilde Muñoz Sampedro, Fernando Hilbeck, Luciano Lorcas, Micaela Pignatelli, Bruno Sismondi, Dick Ziedman, Allen E. Russell, Bill Spann, John J. O'Brien, Matt Keller, Arthur W. Larkin, Katie Mulock, Teresa McCarter, Joy Saxon, Rafael Bardem Jr. y Richard Daugherty.

Después de rodar “Los pianos mecánicos”, Bardem afrontó con ilusión el proyecto de adaptar al cine la novela “El rey y la reina”, de Ramón J. Sender. Incluso se tenía por bastante segura la participación de Charlotte Rampling y de Anthony Quinn como protagonistas. La Paramount, que era la productora interesada en rodarla, fue a pagar los derechos de autor a Sender cuando se encontró con la sorpresa de que éste ya los había vendido a un productor francés. Se intentó negociar con el productor, pero con resultado infructuoso, por lo que se entró en un punto de no retorno y de la película nunca más se supo.

George Rigaud y Tomás Blanco.

Es entonces cuando a Bardem le proponen rodar una cinta bélica para el mercado americano. Se rodaría en inglés en régimen de coproducción entre España e Italia y con actores principalmente foráneos. El realizador acepta la proposición, aunque no se implica en el guión. De hecho, este es el único largometraje en el que no participa en la escritura del libreto, tan solo le da unos últimos retoques.

La acción transcurre el día del armisticio de la Segunda Guerra Mundial, como bien indica el título. A una patrulla norteamericana se le encarga encontrar a un científico alemán que guarda secretos que en manos inapropiadas serían muy peligrosos (el McGuffin hitchcockiano). Lamentablemente, un oficial nazi está dispuesto a encontrarlo antes, a pesar de que su ejército ha sido derrotado.

Giacomo Rossi-Stuart y Bruno Sismondi.

La publicidad la anuncia de esta manera: “Un filme antibelicista de Bardem que dejará una huella profunda en cada espectador.” Lo cierto es que la supuesta carga antibelicista del filme está metida con calzador y es más bien inapreciable para el espectador medio. Además, se traduce en unos farragosos diálogos no exentos de afectación.

George Maharis y Maria Perschy.

Por lo demás, nos encontramos ante la típica “hazaña bélica” que estaba tan de moda durante esos años, correctamente realizada pero sin una historia de base capaz de cautivar al espectador.

Carl Rapp y Gérard Herter.

Bardem incorpora imágenes documentales a la acción, en alguna ocasión insistiendo machaconamente en supuestos paralelismos. También hay varias imágenes aéreas.

Para su estreno se tuvo que eliminar una escena en la que Sancho Gracia tonteaba en un sofá con dos hermanas y la madre de ambas, para que se autorizara a mayores de 14 años, pues de otro modo se hubiese prohibido a menores de 18 años.

Katie Muloy, Sancho Gracia, Joy Saxon y Teresa McCarter.

Pese a que el desapego con la crítica ya había comenzado a evidenciarse en la magnífica “Nunca pasa nada”, a la que algunos tildaron de calle menor, es con esta película con la que la crítica se distancia mayoritariamente del cine de Bardem.

Maria Perschy.

El reparto cumple con funcionalidad dentro de la discreción, aunque bien es cierto que una película con George Maharis encabezando el reparto, no tiene demasiado tirón comercial. Al menos encontramos a la exquisita actriz austríaca Maria Perschy, que tampoco tiene demasiadas oportunidades para lucirse.

¿Sabías que…?

El nieto del burgomaestre está interpretado por el hijo del propio Bardem.

Aunque la acción transcurre en Austria, fue rodada en el Valle de Arán.

Blake Edwards y Jean Rollin

2010-12-17T01:35:00.000-08:00

Nos despertamos con dos noticias deplorables: los fallecimientos de dos realizadores tan antitéticos como Blake Edwards y Jean Rollin. De hecho, no creo que pueda haber dos personajes más diferentes dentro del cine, dos concepciones tan distintas a la hora de realizar un largometraje.

William Blake Crump nació en Tulsa el 26 de julio de 1922. Comenzó su carrera en el cine como extra a finales de la década de los cuarenta. Después pasó a escribir guiones para cine y televisión. Es famosa la relación profesional que mantuvo con Richard Quine. En 1955 dirige su primer largometraje, “Bring your smile along”, con Frankie Laine. Cuatro años más tarde dirige su primera gran película, “Operación Pacífico”, con Cary Grant, Tony Curtis y el inolvidable submarino rosa. La relación de estupendas comedias que realizó es inabarcable: “Desayuno con diamantes” (1961), “La pantera rosa” (1963), “El nuevo caso del inspector Clouseau” (1964), “La carrera del siglo” (1965), “El guateque” (1968), “10, la mujer perfecta” (1979), “S.O.B.” (1981), “¿Víctor o Victoria?” (1982) y un largo etcétera. Pero también fue el creador de sólidos dramas y thrillers como la excepcional “Días de vino y rosas” (1962) o “Chantaje contra una mujer” (1962). Su último largometraje lo dirigió en 1993. Sin duda, se nos ha ido uno de los más grandes de Hollywood.

Jean Michel Rollin le Gentil nació muy cerca de París en 1938. Un esteta del cine de terror, un cine sin medias tintas: o lo amas o lo odias. Vampiros intelectuales, mujeres bellas y con poca ropa, escasos diálogos. Una carrera rabiosamente personal y desgraciadamente inédita en su casi totalidad en España, que nos deja títulos tan sugerentes como “Le viol du vampire” (1968), su primer largo; “La vampire nue” (1970), “Le frisson des vampires” (1971), “Lèvres de sang” (1975), “Les raisins de la mort” (1978) o “Les deux orphelines vampires” (1997). También dirigió varias cintas pornográficas con el nombre de Michel Gentil. Todavía estaba en activo cuando le sobrevino la muerte.

20.000 dólares por un cadáver (José María Zabalza, 1970)

2010-12-16T01:51:00.000-08:00

Con Mike Rivers [Miguel de la Riva], Dyanik Zurakowska, José Truchado, Guillermo Méndez, Fernando Sánchez Polack, José Marcos, Enrique Navarro, Juan Cortés, Javier Rivera, César García, Ricardo Costa , Ramón Lillo y Carlos Lucas (n.a.).

Escribía C. Murillo en el diario ABC: “Mi dilecto amigo José María Zabalza, director de cine, dramaturgo y personaje absolutamente barojiano, está rodando tres películas a la vez. Esta noticia la acabo de leer en los diarios, y no me ha sorprendido en absoluto. En primer lugar, porque tratándose de Zabalza no me sorprende absolutamente nada. Y en segundo, porque la cosa no es nueva. La idea estaba en embrión pero existía. Prácticamente, esto se hacía ya.

Dyanik Zurakowska y Fernando Sánchez Polack.

El procedimiento –ingeniosísimo- de Zabalza consiste en rodar simultáneamente tres films de ambiente muy parecido –concretamente tres “westerns”-. Ha escrito tres guiones y los rueda con casi los mismos intérpretes, aprovechando para las tres películas los mismos escenarios, naturales o no. Él lleva sus tres películas en la cabeza, y la dificultad no pasa de ahí; de jornada intensiva y buena memoria para tres libretos. De otra manera la hazaña hubiera sido imposible; nadie posee el don de la ubicuidad; nadie puede –rodar un solo film ya es agotador- trasladarse a distintos platós o a distintos exteriores en el mismo día para tres cintas de ambiente distinto.

Michael Rivers, Dyanik Zurakowska y Fernando Sánchez Polack.

Así que este aprovechamiento de unos intérpretes, y, fundamentalmente, de unos decorados, ya se hacía en el cine hace tiempo, y sobre todo, ha sido, desde siempre, la tónica imperante en la producción de films para televisión”. (17-10-1969)

José Truchado.

Los susodichos tres westerns son “Plomo sobre Dallas”, “Los rebeldes de Arizona” y esta “Veinte mil dólares por un cadáver” que vamos a tratar.

¿Qué clase de solitario es este?

La película comienza con la muerte de un asaltante en casa de una pareja de granjeros. Una escena de juzgado de guardia, por cierto. La mujer se va a socorrer al ladrón y deja a su marido en el suelo malherido para hacer caer al espectador en el engaño. Él comunica el suceso al sheriff del pueblo y resulta que el asaltante era un peligroso bandolero que atentaba contínuamente contra las obras del ferrocarril, lo que lleva aparejada una recompensa de veinte mil dólares. Pero al regresar a casa el granjero con la retribución, lo primero que le sucede es que se la roban.

El atrevimiento de Zabalza al dirigir tres películas simultáneamente es notable, pero por desgracia, los resultados son del todo desalentadores. Ninguna de ellas merece otra cosa que no sea el olvido. En efecto, hay escenas que se repiten en dos o en las tres películas, como la quema del rancho; y la actriz Dyanik Zurakowska lleva el mismo vestido que en “Los rebeldes de Arizona”. Todo eso se nota y casi siempre para mal, pues el montaje es sencillamente atroz. Ora la banda de facinerosos está en lo alto de un risco ora está asaltando una diligencia en una llanura. Toda una acumulación de insensateces que acaba por despistar al espectador, que finalmente ya no sabe a qué atenerse: los personajes aparecen y desaparecen por arte de magia, quien crees que es el actor principal pierde protagonismo a mitad de metraje, se suceden larguísimas escenas de tiros y disparos, planos y contraplanos que no tienen nada que ver...

En pro del realizador se ha de decir que apenas hace uso del zoom, tan en boga por entonces (de pensar en los westerns de Sergio Garrone ya me entran mareos). Es más, uno de ellos lo utiliza para abrir el campo en un extrañamente largo plano-secuencia que denota cierto oficio. la dirección de Zabalza es más funcional, pues si no es necesario mover la cámara, no lo hace. También extraña que ruede escenas nocturnas, cuando lo habitual en estos casos era hacer uso de la noche americana.

Dyanik Zurakowska.

El reparto también es muy flojo en general. Solo la dulce Dyanik Zurakowska parece esforzarse algo en parecer un personaje real (¡qué bien sufría esta mujer!). Michael Rivers, que no se trata de Miguel Ríos, sino de Miguel de la Riva, está espantoso. Solo recita, sin poner en movimiento ningún músculo de su cuerpo. José Truchado interpreta al ruín de la función. Entre el resto, destacar la profesionalidad de los veteranos José Marco y Fernando Sánchez Polack.

De la música también hay que hablar, porque es de un ridículo indescriptible. Más que de una película del Oeste parece pertenecer a una película infantil ambientada en un circo o una feria. Viene firmada por Ana Satrova, cuyos créditos musicales siempre vienen asociados a la filmografía de Zabalza. Que alguien me corrija si no es así, pero creo que se trataba de su esposa.

¿Sabías que…?

Todavía iría más lejos el realizador irunés en 1972: rodó “El retorno de los vampiros” en tan sólo 24 horas. Cuando le preguntaron si creía que hacer eso era serio, respondió lacónicamente: “Bueno, yo todo lo que hago, lo hago por divertirme”. Todo un personaje.

Nos siguen dejando...

2010-12-15T08:45:00.000-08:00

Virgilio Teixeira

El 5 de diciembre falleció en Funchal, ciudad donde nació hace 93 años, el gran actor Virgilio Teixeira, uno de los nombres más importantes del cine luso. Debutó a principios de los años cuarenta y poco después ya compaginaba su trabajo a caballo entre su país y España. Lo vimos en grandes producciones nacionales como “La leona de Castilla” y “Alba de América”, ambas realizadas por Juan de Orduña en 1951. Este realizador fue el que mayor provecho supo sacar del actor, pues trabajaron juntos en numerosas ocasiones. También rodó varias películas norteamericanas rodadas en nuestro país, como “Simbad y la princesa” (Nathan Juran, 1958), “La caída del imperio romano” (Anthony Mann, 1964) y “El regreso de los siete magníficos” (Burt Kennedy, 1966), entre otras. Su último largometraje lo rodó en 1995.

John Leslie

Multipremiado actor, productor y realizador de cine pornográfico norteamericano. Antes de entrar en la industria del “hard” fue taxista y tocó la harmónica con los Brooklyn Blues Busters. Comenzó a actuar a principios de los setenta y fue espaciando sus apariciones cuando contrajo matrimonio en 1987. Fue entonces cuando se pasó a la dirección. En 1999 publicó un disco de blues titulado “In the kitchen”. Algunos de sus títulos que conocieron estreno en salas españolas fueron “Confesiones de una adolescente viciosa” (Harold Perkins, 1976), “Drácula chupa” (Philip Marshak, 1979), “Salvajes de norte a sur” (Alex de Renzy, 1985) o “La chica de las estrellas y su culito biónico” (Anthony Riverton, 1981).

Enrique Morente

Ha fallecido a los casi 68 años el gran Enrique Morente, a quien tuve el privilegio de ver en un par de actuaciones suyas. Su relación con el cine no se limitó a que apareciesen piezas suyas en bandas sonoras. En “Flamenco” (Carlos Saura, 1995) demostró su arte bajo las luces de Vittorio Storaro. Saura volvió a contar con él para “Iberia” (2005). Más desconocida es su participación en la ignota “La Carmen” (Julio Diamante, 1976).

Ted Sorel

Actor californiano de origen griego, activo en cine, televisión y teatro desde principios de los años setenta. Para el aficionado al cine fantástico es especialmente recordado por su papel del Dr. Pretorius en “Re-sonator” (Stuart Gordon, 1986). También interpretó “Basket case 2” (Frank Henenlotter, 1990).

Joe el implacable (Sergio Corbucci, 1966)

2010-12-14T07:20:00.000-08:00

Título original: Navajo Joe.

Con Burt Reynolds, Aldo Sambrell, Nicoletta Machiavelli, Fernando Rey, Tanya Lopert, Franca Polesello, Lucia Modugno, Peter Cross [Pierre Cressoy], Roberto Paoletti, Antonio Imparato, Lucio Rosato, Valeria Sabel, Mario Lanfranchi, Ángel Álvarez, Rafael Albaicín, Lorenzo Robledo, Álvaro de Luna, Valentino Macchi, Maria Cristina Sani, Gianni di Stolfo, Simón Arriaga, Cris Huerta, Ángel Ortiz, Roderick Auguste y Dianick [Dyanik Zurakowska].

Joe es un indio navajo que se presta para eliminar a la banda de un rufián llamado Duncan, que está aterrorizando al pueblo de Esperanza, pues busca el botín que robó en un tren y que ha desaparecido allí. La gente del poblado descubrirá que el odio visceral que tiene Joe a Duncan viene por cuestiones más personales.

Pierre Cressoy y Nicholetta Machiavelli.

Sergio Corbucci venía de dirigir la mítica “Django” (1966), por lo que se esperaba mucho de esta cinta. Sin llegar al nivel de aquella, esta “Joe el implacable” es una más que aceptable película en la que además de retratar la consabida venganza, se tratan otros temas como el de la importancia del dinero, superior al de las personas, como se puede comprobar en las diferentes actitudes de los mezquinos ciudadanos del lugar.

Franca Polesello y Fernando Rey.

Como es habitual en el realizador, la violencia ocupa un lugar preminente en la trama. Y desde un principio pone las cartas sobre la mesa. En la primera escena pretítulos vemos como Duncan aparece enfrente de una guapa india, que le dedica una sonrisa. Él responde disparándola a bocajarro y después le arranca la cabellera de cuajo. Una secuencia absolutamente brutal.

Nicoletta Machiavelli y Burt Reynolds.

Para el papel de Joe se pensó en Marlon Brando, pero sus pretensiones económicas sobrepasaban con creces el presupuesto que los productores habían pensado. Así que se contrató a un joven actor norteamericano de televisión que ya había participado en algún western, como la televisiva “La ley del revólver”. El recientemente fallecido Dino de Laurentiis lo contrató para cuatro películas. Unos pocos años más tarde, Burt Reynolds ya era uno de los actores más poderosos de Hollywood.

Aldo Sambrell. Detrás de él, Cris Huerta y Álvaro de Luna

Reynolds acudió al rodaje de “Django” y al ver toda aquella violencia le preguntó a Corbucci qué significaba aquello. El realizador romano le contestó que eso era el western a la italiana, constituido de exageraciones. También le sugirió el actor si la relación de su personaje de Joe con el de Estella, joven india a la que mira con buenos ojos, se podría subrayar, pues prácticamente no se le daba importancia. Corbucci le replicó que la diferencia entre el western americano y el italiano era que el segundo eliminaba todos los elementos que entorpecían la buena marcha del argumento, por lo que las escenas de amor no tenían cabida en la película.

Nicoletta Machiavelli

Y eso es lo que es esta cinta: pura acción, realizada con muy buen oficio y un magnífico uso del Techniscope.

Álvaro de Luna y Aldo Sambrell.

La actuación de Reynolds es más que convicente, aunque tuvo que soportar una peluca que, en sus propias palabras, le hacía parecer Natalie Wood.

Aldo Sambrell y Lucio Rosato.

Frente a él, el malvado Duncan es interpretado por nuestro Aldo Sambrell, actor de gran prestancia pero bastante subestimado, como suele ser habitual, para la crítica española, que solo se acuerda de este tipo de profesionales cuando fallecen. Curiosamente, Reynolds y Sambrell coincidirían tres años más tarde en otro western: “100 rifles” (Tom Gries, 1969).

Entre el reparto encontramos también a Fernando Rey ejerciendo de pastor y a la guapísima Nicoletta Machiavelli interpretando a una india.

Burt Reynolds y Álvaro de Luna.

Mención aparte merece la banda sonora de la película. En los títulos de crédito leemos que es obra de un tal Leo Nichols, pero esto no es otra cosa que uno de los seudónimos que el gran Ennio Morricone utilizaba para no saturar el mercado. Una espeluznante música compuesta por voces superpuestas que crean una especie de compleja cacofonía que te hiela la sangre cada vez que suena. Estas voces son las de I Cantori Moderni, de Alessandro Alessandroni, mientras que la voz femenina que se oye en los momentos más calmados pertenece a la cantante Gianna Spagnolo.

Aldo Sambrell y Burt Reynolds.

La película se rodó en muy diferentes emplazamientos, como Tabernas, Colmenar Viejo, Almería, Guadix y Torremocha. En Roma se rodaron los interiores. Todos estos espacios cobran unidad gracias a la estupenda fotografía de Silvano Ippoliti.

¿Sabías que…?

Quentin Tarantino utilizó el fantástico tema principal de la película para su “Kill Bill: Volumen 2” (2004).

Hasta que no firmó el contrato, Burt Reynolds creía que la persona que lo tenía que dirigir era el mismo Sergio que había descubierto a Clint Eastwood. Menos mal que no se echó atrás al enterarse de que no era Leone.

Los ayudantes de dirección fueron Ruggero “Holocausto caníbal” Deodato y Mario Berriatúa, padre del actor Zoe Berriatúa.

Incontri molto ravvicinati del quarto tipo (Mario Gariazzo, 1978)

2010-12-09T06:40:00.000-08:00

Con María Baxa, Mónica Zanchi, Mario Maranzana, Marina Daunia, Jimmy il Fenomeno [Luigi Origene Soffrano], Alessio Pigna, Orazio Donati y Calogero Buttà.

Tres alumnos (los desconocidos Pigna, Donati y Buttà) deciden gastar una broma a su profesora de astronomía (Baxa), al ver que esta cree a pies juntillas en la presencia de vida extraterrestre. Se disfrazan de alienígenas y acuden a la casa que la docente (de nombre Emmanuelle) comparte con su criada veneciana (Zanchi). Allí convencerán a las mujeres para que se desnuden, lo que aprovecharán para toquetearlas a conciencia.

Más o menos, a esto se podría reducir el argumento de esta película, rodada con cuatro perras, pero de accidentado rodaje. Gariazzo, que venía de realizar un filme de ciencia-ficción algo más serio (lo que no quiere decir que no fuese catastrófico), como “Los ojos de las estrellas” (1978), apenas pudo dirigir menos de la mitad del metraje de esta. La razón es que en una de tantas escenas en las que Mario Maranzana corría con la escopeta en ristre, esta se disparó accidentalmente sobre el realizador, que tuvo que abandonar el rodaje. Fue sustituído por Gianfranco Baldanello, que, según Gariazzo, hizo un buen trabajo pero acentuó demasiado los aspectos eróticos de la cinta. ¿Acaso había otro aspecto?

Sucesivamente van quitándose la ropa las tres protagonistas femeninas ante el trío de mequetrefes disfrazados de, de, de… algo inenarrable, para ver y no creer. Y encima se comunican entre ellos mediante unos silbidos debidamente subtitulados. Mientras dos de ellos se trajinan a las féminas, el otro desvalija la nevera de todo tipo de alimento. Situaciones tan inenarrables como sus trajes espaciales.

Y sin embargo esta ínfima película se ha convertido en un título de culto para cierto tipo de espectador. ¿Cuáles pueden ser las causas? Quizá pueda ser que a la carencia de ideas y estupidez de la premisa se una a una estrechez presupuestaria evidenciada en que únicamente se utilicen ocho actores y un par de localizaciones. Puede residir también en la presencia de actores que se comen la pantalla, como Mario Maranzana o el inefable Jimmy il Fenomeno. Por supuesto, gran parte de la culpa la tienen las protagonistas femeninas y las osadas escenas eróticas que desempeñas, entre las que figura una lésbica entre Baxa y Zanchi. Por último, la constante argumental se ve condimentada por una banda sonora, obra de Alessandro Alessandroni, en la que sus inconfundibles silbidos le dan una cadencia hipnótica a la película. Vaya, que sabes que es horrible pero no puedes dejar de verla. Nos regodeamos en nuestra propia crapulencia, que diria el Sr. Burns.

La actriz serbia Maria Baxa venía de protagonizar “Per amore a Poppea” (Mariano Laurenti, 1977), el papel más importante de su oscura carrera. Frente a ella, la actriz suíza Monica Zanchi, de más impenetrable trayectoria, pero todo un “must” para el cinéfago. Una película que causa sonrojo a la actriz, que insiste en que se utilizó a una doble para la escena lésbica con Maria Baxa. Y es que de hecho, parece que existe una versión con insertos “hardcore” en la que, por supuesto, no se vieron implicados los actores.

En nuestro país conoció una edición en vídeo con el título de “Los alegres extraterrestres”.

¿Sabías que…?

Maria Baxa abandonó la profesión para dedicarse a la arquitectura.

Gariazzo era un gran aficionado a la Ufología. Fue miembro de la NICAP (National Investigations Committee on Aerial Phenomena) y además de sus películas sobre el tema, fundó la revista especializada Dischi volanti y publicó algún que otro libro. Para estos trabajos firmaba con el seudónimo de Sidereus.

Monica Zanchi también contó con una breve carrera musical con los seudónimos de Mona Matisse y. Angie Bee. Tuvo un éxito menor con la canción “Plastic doll”. Hela aquí.

El poder del deseo (Juan Antonio Bardem, 1975)

2010-12-01T03:17:00.000-08:00

Intérpretes: Marisol, Murray Head, José María Prada, Alfredo Alonso, Francisco Amorós, Eloy Arenas, José Luis Barceló, Pilar Bardem, Juan Cazalilla, Alberto Fernández, Antonio Gamero, Lola Gaos, Tito García, Pilar Gómez Ferrer, Fernando Hilbeck, María Jesús Hoyos, Cris Huerta, Paloma Hurtado, Lola Lemos, Carmen Lozano, José Luis Manrique,Mari Merche, Enrique Navarro, Concha Rabal, Raquel Rodrigo, Antonio Ross, Tina Sáinz, Fernando Sánchez Polack, Javier Sand, Alfonso San Félix, Jaime Segura, Pilar Vela, María Vico y José Yepes.

La segunda colaboración entre Marisol y Bardem está basada en una buena novela del escritor catalán Manuel de Pedrolo, de título Joc brut.

En ella, Javier, un joven publicitario, se enamora de una misteriosa mujer llamada Juna. Su relación es complicada, pues él no sabe donde vive y ella no quiere ser vista con él en público. Finalmente, Juna le explica a Javier que para que puedan vivir juntos una vida feliz, él debe asesinar al despótico tío de ella. Por supuesto, todo irá a peor.

La crítica “seria” ya hacía años que había enterrado a Bardem, al que acusaban de haberse entregado al cine comercial, cuando el propio realizador había dicho en más de una ocasión que él siempre había filmado películas con fines comerciales, que no quería perder dinero con sus películas. Ya su anterior filme. “La corrupción de Chris Miller” había sido desdeñado por la crítica, y este también lo sería con la misma vehemencia. Pero como en este blog no encanta ese cine relegado y menospreciado, no podíamos dejar de hablar de “El poder del deseo”.

La película toma la estructura de un thriller en el que los engaños y las dobles apariencias se suceden contínuamente, todo ello aderezado por alguna osada escena erótica. No en vano, Marisol desintegró definitivamente su virginal imagen precedente con sus primeros desnudos (parciales) en pantalla.

El oficio de publicista de Javier les sirve a Bardem y a Rafael Azcona, guionistas del filme, para hacer una crítica con notables nota de acidez hacia la masa analfabeta de la época y también a la incapacidad de los medios de comunicación para hacerse entender por ella.

La trama se muestra titubeante al principio, con los primeros escarceos de los protagonistas, pero conforme va avanzando en el terreno criminal, se muestra cada vez más interesante, aunque no por ello deje de ser predecible lo que le ocurrirá a Javier.

Bardem aporta su innegable oficio y muestra gran pericia técnica a lo largo del metraje de una película que, si bien está lejos de los logros conseguidos en títulos como “Muerte de un ciclista”, “Calle Mayor” o “Los inocentes”, no merecía el aluvión de improperios que le llovieron por parte de la crítica más progresista.

Se rodó en inglés para que tuviese mayor repercusión internacional. Bardem tenía claro que para el papel de Javier quería a un actor extranjero que le un importante gancho comercial, y finalmente este fue a parar al británico Murray Head, que había tenido un papel destacado en “Domingo, maldito domingo” (John Schlesinger, 1971). Marisol, por su parte, aparece con diferentes pelucas, pero no logra darle el empaque suficiente a su rol. Con todo, la pareja Marisol-Murray Head queda como una de las parejas más chocantes del cine español. El resto del reparto no tiene mayor relieve que servir de comparsa a la pareja. Y es una pena, ya que contaba con actores de la importancia de José María Prada o Lola Gaos. A destacar el debut cinematográfico de Paloma Hurtado, así como la estupenda banda sonora de José Nieto.

¿Sabías que…?

La película tenía que haberse titulado Juego sucio o Juegos sucios, pero el realizador José Antonio de la Loma tenía los derechos sobre esos títulos y no los quiso vender. Al final quedó un título que no agradaba de ninguna manera a Bardem.

Marisol denunció al productor Serafín García Trueba porque de su sueldo de dos millones y medio de pesetas, solo había cobrado millón y medio. Además, el rodaje se retrasó en varias semanas.

El autor de la novela, Manuel de Pedrolo, escribió un vitriólico artículo en “Diario de Barcelona” en el que despotricaba sobre la película.

La actriz Michelle Jenner apareció emulando/rememorando a la Marisol de la película para la revista Vanity Fair. La foto es de Juan Gatti.

Leslie Nielsen-Irvin Kershner-Mario Monicelli

2010-12-01T02:45:00.000-08:00

Continúa este otoño negro con la noticia de los fallecimientos de estos tres cineastas.

Leslie Nielsen

Actor canadiense más conocido por sus patochadas en diferentes spoof movies a partir del éxito de la extraordinaria "Aterriza como puedas" (ZAZ, 1980), que redirigiría la posterior carrera de Nielsen. De esta etapa, sus mejores logros los obtuvo con la trilogía "Agárralo como puedas". Pero con anterioridad ya tenía una carrera larga y consolidada. Lo recordamos especialmente en "Planeta prohibido" (Fred M. Wilcox, 1956). Impagable interpretando al villano de "El día de los animales" (William Girdler, 1977).

Irvin Kershner

Cuando George Lucas propuso a Kershner como realizador de "El imperio contraataca" (1980), muchos de los accionistas preguntaron quién era ese señor que ya tenía casi sesenta años. Kershner había sido profesor de Lucas y ya se dedicaba a la dirección desde finales de los años cincuenta. Otros trabajos destacables suyos fueron "Un loco maravilloso" (1966), "Ojos" (1978), "Nunca digas nunca jamás" (1983) o "Robocop 2" (1990).

Mario Monicelli

Uno de los grandes maestros de la comedia italiana decidió poner fin a su vida a los 95 años antes de que su muy deteriorada salud empeorase. Dentro de su copiosa filmografía encontramos maravillas como "Guardias y ladrones" (1951), "Rufufú" (1958), "La gran guerra" (1959), "La armada Brancaleone" (1966), "Habitación para cuatro" (1975) o "Un quinteto a lo loco" (1982). En 2006 dirigió su último largometraje, "Le rose del deserto".

Ingrid Pitt también

2010-11-24T09:27:00.000-08:00

La grandísima Ingrid Pitt falleció ayer. Adiós a la Condesa Dracula.

Estampas de otoño

2010-11-16T08:17:00.000-08:00

Desde mi último post, ya lejano, nos han dejado muchos, demasiados nombres de gente del cine en este, uno de los otoños más execrables de los últimos años en lo que a pérdidas se refiere. Valga este pequeño homenaje. Siempre quedarán sus películas.

Eddie Fisher

Famoso crooner de los años cincuenta y sesenta. Estuvo casado con las actrices Connie Stevens, Elizabeth Taylor y Debbie Reynolds, con la que tuvo una hija, Carrie Fisher, también dedicada a la actuación. En el cine lo pudimos ver en “Los líos de Susana” (Norman Taurog, 1956) o en “Una mujer marcada” (Daniel Mann, 1960).

Jackie Burroughs

Excelente actriz británica, vista en películas como “El zorro gris” (Philip Borsos, 1980), “Un bronceado de invierno” (1987), de la que fue una de las codirectoras, y “Willard” (Glen Morgan, 2003), entre otras. Su cara de viejita la acompañó hasta en su juventud.

Gloria Stuart

No fue únicamente la vieja de “Titanic” (James Cameron, 1997). Su carrera comenzó en los años treinta. La vimos en “El caserón de las sombras” (James Whale, 1932), “El hombre invisible” (James Whale, 1933) y “Prisionero del odio” (John Ford, 1936), entre otras. Ha muerto a los 100 años.

Sally Menke

La montadora de todas las películas de Quentin Tarantino.

Arthur Penn

Realizador de peliculones como “El zurdo” (1958), “El milagro de Ana Sullivan” (1962), “La jauría humana” (1966) o “Bonnie y Clyde” (1967). Fue tres veces candidato al Oscar al mejor director.

Tony Curtis

Inolvidable actor, tanto en comedias inmortales como “Con faldas y a lo loco” (Billy Wilder, 1959) u “Operación Pacífico” (Blake Edwards, 1959), como en cintas de acción como “Trapecio” (Carol Reed, 1956) o “Los vikingos” (Richard Fleischer, 1958) o poderosos dramas como “Chantaje en Broadway” (Alexander Mackendrick, 1957) o “El estrangulador de Boston” (Richard Fleischer, 1968), a mi entender, sus dos mejores interpretaciones. La lástima es que si la decadencia de Marlon Brando fue penosa, la de Curtis la sobrepasó con creces.

Stephen J. Cannell

Escritor y productor eminentemente televisivo. Fue el creador de series tan famosas como “Baretta” (1975-1978), “Los casos de Rockford” (1974-1980), “El gran héroe americano” (1981-1983) o “El equipo A” (1983-1987).

Roy Ward Baker

Más que competente realizador británico, que dio una de sus primeras oportunidades a Marilyn Monroe en “Niebla en el alma” (1952). También dirigió “La última noche del Titanic” (1958) o “El demonio, la carne y el perdón” (1961) antes de comenzar a trabajar para la productora “Hammer”. Dentro de su seno, realizó películas como “¿Qué sucedió entonces?” (1967), “Las cicatrices de Dracula” (1970) o “Doctor Jekyll y su hermana Hyde” (1971). Su último largometraje fue “El club de los monstruos” (1980).

Manuel Alexandre

Uno de los actores más entrañables del cine español. Con él, muere toda una época. Impresionante en películas como “Bienvenido, Mr. Marshall” (Luis Gª Berlanga, 1953), “Atraco a las tres” (José María Forqué, 1962), “La muerte silba un blues” (Jesús Franco, 1964), “Tocata y fuga de Lolita” (Antonio Drove, 1974), “Sinatra” (Francesc Betriu, 1988) o en la reciente “Elsa y Fred” (Marcos Canevale, 2005), uno de sus pocos papeles protagonistas.

Johnny Sheffield

Fue Boy, el hijo adoptado de Tarzán y Jane en las mejores películas de la saga. Su popularidad se extendió tanto que de 1949 a 1955 protagonizó la saga inaugurada con “Bomba, the jungle boy” (Ford Beebe, 1949) y compuesta de doce títulos.

Alfredo Bini

Productor italiano de las primeras películas de Pasolini, desde “Accattone” (1961) hasta “Edipo rey” (1967). También produjo a Bolognini, Lattuada, Damiani y al recientemente fallecido Piero Vivarelli.

Lamont Johnson

Ignorado realizador, autor de cintas considerables como la extraña “El gran duelo” (1971) o la entretenida “Pesadilla en la nieve” (1972). También dirigió la floja, pero imborrable “Lipstick – Lápiz de labios” (1976).

Lisa Blount

Actriz vista en películas de terror como “Muertos y enterrados” (Gary A. Sherman, 1980), “Sueños radioactivos” (Albert Pyun, 1985), “Inferno in diretta” (Ruggero Deodato, 1985) o “El príncipe de las tinieblas” (John Carpenter, 1987). Sin embargo, su papel más famoso lo logró como Lynette en la edulcorada “Oficial y caballero” (Taylor Hackford, 1982).

Llàtzer Escarceller

El avi del Filiprim. Con 96 años ha fallecido este actor catalán de cine, teatro y televisión. Debuta en la pantalla grande con “Furia española” (Francesc Betriu, 1974). También participó en películas como “El aire de un crimen” (Antonio Isasi-Isasmendi, 1988), “El niño de la luna” (Agustí Villaronga, 1988) o el díptico que Carlos Suárez dedicó a Makinavaja, el último choriso.

George Hickenlooper

Autor de famosos documentales, entre los que destaca “Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse” (1995), sobre la realización de “Apocalypse now”.

Jill Clayburgh

Esta estupenda actriz fue dos veces candidata al Oscar por sus papeles en “Una mujer descasada” (Paul Mazursky, 1978) y “Comenzar de nuevo” (Alan J. Pakula, 1979). También la vimos en “El expreso de Chicago” (Arthur Hiller, 1976), “La luna” (Bernardo Bertolucci, 1979), “Hanna K.” (Costa-Gavras, 1983) o en “Vidas distantes” (Andrei Konchalovsky, 1987).

Bob Guccione

Fundador de la revista Penthouse. Fue el productor de la controvertida “Calígula” (Tinto Brass, 1979).

Chris Udvanorky

Junto con su hermano gemelo Martin, protagonizó una de las películas de terror más memorables de los años setenta: “El otro” (Robert Mulligan, 1972). Nunca volvió al cine, pero el papel de Niles Perry ya es suficiente para pasar a la posteridad.

Dino de Laurentiis

Famoso productor de cine italiano. Produjo títulos tan importantes como "Arroz amargo" (Giuseppe de Santis, 1946) o "Las noches de Cabiria" (Federico Fellini, 1954). En los setenta se instala en EE.UU., y suyas son "Serpico" (Sidney Lumet, 1973), "El huevo de la serpiente" (Ingmar Bergman, 1977), "Ragtime" (Milos Forman, 1981). También forman parte de su obra, las polémicas realizaciones fantásticas "King Kong" (John Guillermin, 1976), "Flash Gordon" (Mike Hodges, 1980) o "Dune" (David Lynch, 1984). Estuvo casado con la actriz Silvana Mangano.

Luis García Berlanga

El cine español se queda definitivamente huérfano con la muerte del maestro valenciano. Títulos como "Bienvenido, Mister Marshall" (1952), "Calabuch" (1956), "Plácido" (1961), "El verdugo" (1963) o "La escopeta nacional" (1977), entre otros, son los que dan brillo a nuestra filmografía.

Caterina Boratto

2010-09-23T07:03:00.000-07:00

A los 95 años de edad ha fallecido esta excelente actriz turinesa que en los años 30 fue fichada nada más y nada menos que por Louis B. Mayer.
A las órdenes de Fellini fue la señora misteriosa en 8½ (1963) y la madre de Giulietta en "Giulietta de los espíritus" (1965).
También la vimos en "Diabolik" (Mario Bava, 1968), "La monja de Monza" (Eriprando Visconti, 1969), "Huellas de pisadas en la luna" (Luigi Bazzoni, 1975), "Salò, o los 120 días de Sodoma" (Pier Paolo Pasolini, 1975) o en "Diabla" (Enzo G. Castellari, 1979).

Este vídeo de johnxxx20000 es un precioso homenaje a su carrera.

El marqués (Niels West-Larsen, 1965)

2010-09-21T09:45:00.000-07:00

Intérpretes: O.W. Fischer, Carlos Estrada, Ana Casares, Christiane Maybach, Gustavo Rojo, Félix Fernández, Josefina Serratosa, Pedro R. de Quevedo, Santiago Rivero, Francisco Nieto, Manuel Guitián, Ángel Menéndez, Emiliano Redondo, Antonio P. Bayot, Juan Olaguíbel y José Luis Barrero.

En este blog se quiere mucho al cine español, de todas las épocas y de todos los colores. Es por ello que aquí se comentarán muchas películas españolas, aunque no sean del género fantástico o terrorífico. Y comenzamos con esta rareza de 1965.

El Marqués de Águilas pasa por un momento económico francamente calamitoso. Su afición a la ruleta y a la vida bohemia lo han arruinado y únicamente atesora un viejo caserón con dos criados a los que debe años de sueldo, y un Rolls Royce que a duras penas puede mantener. Todas sus amistades saben de su difícil situación, pero para él lo importante es guardar las apariencias. Finalmente, derrotado por las deudas, decide poner final a su vida. Para ello contrata a un asesino a sueldo, con el que firma un contrato irrevocable por el cual en el plazo de seis meses será asesinado en lo que parecerá un accidente. Durante ese tiempo, la situación del marqués cambia notablemente y se echa atrás en su drástica decisión. Ahora lo difícil será encontrar al asesino.

Toda una singularidad dentro de nuestro cine, primera coproducción entre España y Dinamarca, dirigida por el misterioso Niels Larsen. De este personaje sabemos que participa en el guión de "The boy who stole a million" (Charles Crichton, 1960), rodada en tierras ibéricas. También en nuestro país escribe "Tela de araña" (José Luis Monter, 1963), protagonizada por Eddie Constantine. También aparece como productor del western "Tierra brutal" (Michael Carreras, 1961). "El marqués" es su única realización.

Sin duda, el argumento guarda mucho interés y la película podría haber dado bastante de sí, pero Larsen bascula entre el drama, el thriller y la comedia ligera. Alguna escena, como la del criado que se desmaya entre billetes, parecen absolutamente fuera de lugar. Esta indeterminación, junto con unos diálogos que a veces sobrepasan el absurdo (el ying y el yang, la antimateria...) y una conclusión poco satisfactoria, hacen de este un largometraje convencional, en el que cabe preguntarse cuál hubiera sido el resultado en manos de un profesional de mayor entidad.

El actor austríaco O.W. Fischer, como el marqués protagonista, está sobreactuado en todo momento, y el resto de las actuaciones resultan bastante anodinas.

El realizador recurre en diferentes ocasiones al montaje asincrónico. Cabe destacar la belleza de la sobria fotografía en blanco y negro de Godo Pacheco, así como la belleza de los encuadres y paisajes. Sorprende la poca importancia que se le da a la banda sonora, compuesta por el siempre interesante Adolfo Waitzmann, de toques jazzísticos.

De cara a la galería del país productor aparecen una par de actuaciones folclóricas y una faena del torero José Luis Barrero.

Rodada en Madrid, Estoril, playa de Guincho y en el espectacular castillo de Pena.

Calificación (de 0 a 5): 2.

¿Sabías que...?

Alfredo Hurtado, alias Pitusín, antiguo niño prodigio del cine español, ejerce de ayudante de dirección.

La ficha de la película en IMDB es un desastre. Aparecen en ella actores como Fernando Rey o Charles Regnier, ajenos completamente al rodaje de esta película.

E' morto Piero Vivarelli

2010-09-14T07:29:00.000-07:00

El realizador y guionista italiano Piero Vivarelli falleció la semana pasada a los 83 años de edad.
El amante del fantástico lo reconocerá como el responsable de títulos como "Mister X" (1967), "Satanik" (1968) o "Il dio serpente" (1970), pero la carrera de Vivarelli no se limita a estas cintas.

Comunista convencido, comienza escribiendo guiones en 1952. Entre sus libretos más célebres están los de "Suprema confessione" (Sergio Corbucci, 1957), "I ragazzi del juke-box" (Lucio Fulci, 1960) o "Django" (Sergio Corbucci, 1966).

También se interesó por la música, no en vano fue letrista y suyas son piezas muy conocidas cantadas por Adriano Celentano. En 1960 crea el programa radiofónico "La coppa del jazz". Además, durante varios años participa activamente en la programación del Festival de San Remo.

En 1998 escribió y dirigió su último filme, "La rumbera".

Ante los últimos premios musicales de la MTV...

2010-09-14T07:24:00.000-07:00

... solo se puede exclamar:

MTV get off the air!

Ha muerto Kevin McCarthy

2010-09-13T10:33:00.000-07:00

De disgusto en disgusto. Anteayer fallecía ese gran actor que fue Kevin McCarthy, cuyo papel más conocido es, sin duda, el del Doctor Miles Bennell en la terrorífica "Invasions of the body snatchers" (Don Siegel, 1956).

También lo hemos visto en "Noche de pesadilla" (Maxwell Shane, 1956), "Vidas rebeldes" (John Huston, 1961), "El premio" (Mark Robson, 1963), "El clan de los inmorales" (José Gutiérrez Maesso, 1974), "Piraña" (Joe Dante, 1978), "Aullidos" (Joe Dante, 1980), "El chip prodigioso" (Joe Dante, 1987) y en infinidad de series de televisión y telefilmes. Su último largometraje ha sido el aquí inédito "Wesley" (John Jackman, 2009).

En la muerte de Claude Chabrol

2010-09-13T10:01:00.000-07:00

El mundo del cine está de luto, pues ha muerto uno de los grandes cineastas europeos, que todavía estaba en activo pese a sus ochenta años de edad.

Uno de los fundadores de la Nouvelle Vague, sin embargo entre su vasta filmografía encontramos títulos de todo tipo: desde un cine altamente intelectualizado hasta otro mucho más popular.

Y como muestra un botón. Aquí tenemos a la improbable pareja formada por Marie Laforêt y Francisco Rabal en "María Chantal contra el Dr. Kha" (1965).

La venganza de Hércules (Vittorio Cottafavi, 1960)

2010-09-13T08:50:00.000-07:00

Título original: La vendetta di Ercole.
Intérpretes: Mark Forest, Broderick Crawford, Gaby André, Philippe Hersent, Leonora Ruffo, Giancarlo Sbragia, Wandisa Guida, Sandro Moretti, Federica Ranchi, Carla Calò, Ugo Sasso, Claudio Undari y Grazia Collodi.

La tercera aventura en las pantallas italianas de Hércules supuso un cambio tanto en el realizador como en el actor de las anteriores entregas. El héroe, encarnado en sus dos primeras películas por el mítico Steve Reeves, ahora es interpretado por el también norteamericano Mark Forest, uno de los actores-culturistas más notables de la época, que debutaba con esta cinta. Por otra parte, la dirección, que antes había recaído en las hábiles manos de Pietro Francisci, ahora lo hace en la figura de un director de prestigio reconocido, como Cottafavi.Importantes cambios que, sin embargo, no redundan en la calidad de la saga, que continúa tan entretenida como lo era anteriormente. Mark Forest

En esta ocasión, Hércules finaliza sus doce trabajos y desciende al infierno, donde se enfrenta con el temible can Cerbero, representado con tres cabezas flamantes. Después lucha con una horrible criatura con alas de murciélago. Mientras todo esto ocurre, Euristeo, enemigo declarado de Hércules, piensa en conquistar Tebas, aprovechando la ausencia de nuestro semidiós, y de paso asesinar a su hijo.

Un peplum fantástico tan entrañable como bien construido, con un reparto ciertamente apreciable. El malvado Euristeo está encarnado por el excelente Broderick Crawford, al que una cicatriz le surca el rostro. Un tirano al que su interpretación dota de múltiples matices: por un lado aparece con un carácter débil, en el que resultan imprescindibles de sus ayudantes para pasar a la acción; pero, por otra parte, se muestra como una persona carente de escrúpulos y capaz de asesinar por la espalda a sus colaboradores. Resulta inolvidable la escena en la que le exhorta a Hércules para que le suplique por la vida de su esposa, protagonizada por la elegante Leonora Ruffo.
Broderick Crawfod y Leonora Ruffo.

La gran Wandisa Guida interpreta, como era de esperar, un personaje que en principio entra dentro de las maquinaciones de Euristeo para derrotar a Hércules, pero que finalmente se enamora de él hasta el punto de sacrificar su propia vida.
Broderick Crawford, Gaby André y Wandisa Guida

Únicamente Sandro Moretti y Federica Ranchi, como el hijo de Hércules y su prometida, no están al nivel exigido por sus compañeros de reparto.
Claudio Undari

Buen uso del cinemascope, y extravagante banda sonora, repleta de efectos de sonido, para esta intriga política fantástica, en la que además podemos disfrutar de la visión Hércules desafiando a Zeus, de la destrucción de los muros ciclópeos o de Polimorfo, mitad centauro y mitad fauno, entre otros grandes momentos.

Producida por Robert de Neslé, el montador es el posteriormente realizador Maurizio Lucidi, que debutaría en la dirección cinco años más tarde con un largometraje también interpretado por Hércules. Cottafavi retornaría al personaje al año siguiente con "La conquista de la Atlántida".

Calificación (de 0 a 5): 3.

¿Sabías que...?

El diseño de Cerbero, obra de un principiante (se nota) Carlo Rambaldi está basado en esta obra de William Blake.

Mark Forest se llamaba en realidad Lou Degni y era de origen italiano. Una vez retirado, se dedicó al estudio del canto. Hoy en día ejerce de profesor.

La versión americana tiene una banda sonora diferente, obra de Les Baxter. También tiene un metraje diferente, y cambió su título al de "Goliath and the dragon" porque no podía utilizar el nombre de Hércules, porque los derechos los detentaba la Universal.

Leonora Ruffo, que entonces tenía 25 años, interpretaba a la madre de Sandro Moretti, que tenía 29.

En nuestro país tuvo bastante más éxito que los títulos anteriores de Pietro Francisci.

Supuso el debut también de Claudio Undari, el Robert Hundar de tantos westerns mediterráneos.

Trhauma (Gianni Martucci, 1979)

2010-09-09T07:19:00.000-07:00

Tardío slasher italiano con falta de ortografía incluída en el título y prácticamente desconocido en todo el mundo, que una reciente edición en DVD ha dado a conocer.

Comienza con el típico flashback precréditos en el que un niño muy malo obliga a otro, este inocentón y con un ojo tapado por una lentilla blanca, a subirse a lo alto de un árbol. El pobre desgraciado, como todos esperábamos, cae desde las alturas ante la indiferencia que muestra el primero.
Tras los títulos nos encontramos con varias parejas de amigos que se reúnen en un viejo caserón que uno de ellos ha adquirido. Como ha de ocurrir, uno a uno van siendo eliminados por un tipo alelado con una lentilla blanca en el ojo. ¡Vaya! ¡Ya sabemos a santo de qué venía la primera escena!
Posteriormente averiguamos que el asesino mata siguiendo las órdenes de otra persona, que por cada crimen cometido le regala dos cajitas de piezas de Lego con las que construir un absurdo castillo (?).
Por supuesto, la identidad de esta persona no es demasiado difícil de averiguar, pues... (spoiler) ¡sólo hay un individuo que se muestra apurado en todo momento por problemas monetarios!

En verdad soporífera, el realizador malgasta dos minutos de metraje en el lento caminar (cojea a causa de la caída de la primera escena) del asesino hasta llegar a su casa. Los personajes están todos desdibujados y huecos. Bastante poco nos importa lo que les ocurra, pues no se crea empatía alguna con el espectador.
El reparto, encabezado por el horroroso Gaetano Russo, también coguionista, resulta discretísimo, y solo el veterano Franco Diogene parece algo preocupado por dar un poco de entidad a su personaje.

Todos los fotogramas rezuman una gran vulgaridad, y ni siquiera el goremaníaco verá cumplidas sus expectativas, pues casi todos los asesinatos son cometidos fuera de la pantalla y apenas hay alguna escena reseñable en ese aspecto, como no sea aquella en la que Domitilla Cavazza le clava una flecha en el ojo malo del asesino; secuencia, por otra parte, bastante mal construída.
El abrupto y absurdo final acaba de coronar este desaguisado, en el que lo único destacable es la fotografía nocturna de Angelo Bevilacqua.

Primera de las dos películas de terror dirigidas por el siempre mediocre Gianni Martucci. La segunda sería la también espantosa "I frati rossi" (1988), con la que finalizaría su carrera.
Alessandro Capone ("Streghe") aparece como coguionista y ayudante de dirección.

Hay quien dice de esto que es un giallo, pero yo no lo llamaría nunca así. La historia es lineal e idiota, y no tiene los meandros argumentales típicos del género.

Calificación (de 0 a 5): 0.

Fruta sexual del Caribe (Joe D'Amato, 1978)

2010-09-08T07:22:00.000-07:00

Título original: Papaya dei Caraibi.
Intérpretes: Melissa [Chimenti], Sirpa Lane y Maurice Poli. (En los créditos no aparece nadie más).En 1978, Joe D'Amato viaja a la República Dominicana con el encargo de dirigir la película de acción "Duri a morire". Al parecer, queda tan contento con las localizaciones que se queda allí para rodar varias películas eróticas, tanto en su vertiente soft, como hard. Es su denominada serie dominicana, en la que también se incluyen títulos como "Sexo negro" u "Orgasmo negro".
En esta cinta, la única soft de la serie, Maurice Poli interpreta a un ingeniero que viaja al Caribe junto con su mujer, (la malograda Sirpa Lane, a la que dedicaremos una entrada en un futuro), con el fin de proyectar la construcción de una central nuclear. Pero en sus vidas entra una extraña mujer que se hace llamar Papaya (la actriz de origen eritreo Melissa Chimenti), que los hace entrar en una espiral de sexo, violencia y celos.
Película repleta de sexo y desnudos y que además contiene un par de escenas gore, algo habitual en su realizador. En la primera secuencia vemos a Papaya haciendo el amor con otro hombre. Todo normal hasta que en plena felación, la muchacha le arranca el miembro al desdichado de un buen mordisco. Más tarde, el matrimonio aseiste a un rito de vudú en el que un santón eviscera primeramente a un par de cerdos, para luego ofrecer un sacrificio humano, al cual le extraen el corazón y lo devoran. Después, todos los componentes de la ceremonia se desnudan y bailan enfervorecidos al son de los ritmos creados por Stelvio Cipriani.El filme también incluye ciertas dosis de sadismo bajo la forma de unos latigazos que la poderosa Melissa inflinge a uno de sus amores/esclavos. Y todo ello bajo una débil coartada ecológica.
En nuestro país se estrena con la calificación de Clasificada S. En su día, la publicidad dice de ella: "Las escenas más violentas que jamás se presenciaron en una película... donde aparecen encubiertas por un vicioso amor...".
El veterano Maurice Poli, visto en algunas películas de Mario Bava, es la última persona en la que un director de casting serio pensaría para rodar una película de este tipo. Y sin embargo...
Por otra parte, la exótica Melissa tiene una gran presencia y obtiene los mejores momentos del metraje.
Caso aparte es el de Sirpa Lane, antiguo descubrimiento de Roger Vadim. Se muestra inexpresiva en todo momento, excepto en la escena del ritual, en la que pone unas muecas ciertamente grotescas. Recita sus diálogos sin emoción alguna y camina con andares de pato mareado, pero, eso sí, tiene un cuerpo escultural. La Saison Cinematographique decía al respecto de su actuación: "Sirpa Lane es la peor actriz que se ha visto desde hace mucho tiempo en una pantalla".Muy mediocre en general, no se le puede negar a D'Amato cierto sentido del erotismo, como queda demostrado en la bella escena de amor lésbico entre las dos protagonistas femeninas.

Calificación (de 0 a 5): 1.

¿Sabías que...?

La banda sonora de esta película no ha aparecido íntegra en el mercado hasta este mismo 2010, gracias a la discográfica alemana Chris' Soundtrack Corner.

Melissa inició su carrera musical en 1968 con La spiaggia è vuota. A finales de los setenta se unió al músico Giampiero Scalamogna, con el que formó la banda disco Gepy & Gepy, de la cual ponemos un vídeo, para vuestro deleite.

Es solo un sueño: Onirismos (V)

2010-03-17T08:56:00.000-07:00

Yoidore tenshi (Akira Kurosawa, 1948).

Decíamos ayer que muchos realizadores que no son estrictamente adscribibles al cine fantástico utilizan en sus películas escenas oníricas en las que dan rienda suelta a su imaginación, encorsetada por un guión, digamos, realista.
Kurosawa fue un realizador muy "visual". Daba tanta importancia al fondo como a la forma. Y en esta temprana pero genial película da muestras de ello en esta extraña escena protagonizada por Toshirô Mifune, en la que sería su primera colaboración con el realizador.

El caminante ha dicho adiós

2009-12-01T02:42:00.000-08:00

Como en "Operación Mantis" y en "Mi amigo el vagabundo", únicas películas en las que coincidieron estos monstruos del celuloide, Paul Naschy se ha reencontrado con José Luis López Vázquez.

Jacinto Molina ha muerto hoy en Madrid.

El cine está de luto hoy.

THE DOORS - COPPOLA - SCORSESE

2008-09-19T10:09:00.000-07:00

The end es en mi opinión una de las cinco mejores canciones de The Doors. De todos es sabido que Coppola hizo uso de ella en la fenomenal “Apocalypse now”, pero unos años antes, otro de los grandes realizadores norteamericanos de las últimas décadas la utilizó también.

Apocalypse now.

El primer largometraje de Martin Scorses superó numerosas vicisitudes hasta adoptar su forma definitiva. Durante el rodaje, que se inició en 1965, llevó el título “Bring on the dancing girls”. La película se estrenó en Chicago en noviembre de 1967 con el título de “I call first”. Una año más tarde, el distribuidor Joseph Brenner, responsable de que entraran en Norteamérica títulos como “The bellboy and the playgirls”, cinta alemana remontada por Coppola, “El país del sexo salvaje” de Lenzi y otras oscuras producciones, compró la película y se encargó de su distribución, pero con la condición de que Scorsese añadiera al metraje una escena subidita de tono. Y es precisamente esa escena la que os pongo a continuación. Un brillante ejercicio de estilo con una llamativa labor de montaje que fue rodada en Amsterdam con Harvey Keitel, el protagonista de la cinta, teniendo una ensoñación erótica con Anne Collette, actriz francesa que dispuso su corta filmografía en manos de Jean-Luc Godard, Marc Allegret y Pierre Kast. Como acompañamiento musical, la secuencia cuenta con el citado The end.

La película distribuida por Brenner ya llevó el título con el que hoy es conocida: “Who’s that knocking at my door”, aunque todavía conocería otro. En 1970 se reestrenó con la simple denominación de “J.R.”, el nombre del personaje interpretado por Keitel.

Who's that knocking at my door.

P.D.: Dicebamus hesterna die... Intentaremos mantener esto un poco más vivo. Han sido unos meses en los que ni siquiera he podido entrar al blog. Por cierto, alguien me preguntaba por el título del vídeo del anterior post. Ahora mismo no estoy seguro, pero creo que lo grabé de "Déjate caer", de Jesús Ponce.

SABIAS PALABRAS

2008-06-11T11:33:00.000-07:00

Siempre he tenido dificultades en indignarme cuando la industria viene corriendo con dinero para la cultura. Toda mi carrera cinematográfica ha estado patrocinada por el capital privado. A mí no me han regalado nunca nada por mi cara bonita.

Ingmar Bergman.

Esta frase ha hecho que recuerde cosas como estas:

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