Estrenamos esta sección con el objeto de ofrecer diferentes escenas oníricas de películas de cualquier género. Porque eso es lo que tienen este tipo de secuencias: que caben en cualquier género. Una escena onírica supone un salto al vacío, una transgresión en muchos casos. Para un realizador que está dirigiendo, pongamos por ejemplo, un drama muy académico, supone una válvula de escape, un desencorsetamiento con el resto del metraje. Aquí vale todo, no existen reglas y, por supuesto, el autor da lo máximo de sí, se esfuerza especialmente en este tipo de secuencias. Comenzaremos con el maestro Ingmar Bergman, recientemente fallecido, y con una de sus primeras y desconocidas películas, pues no hay que olvidar que su primer éxito a nivel internacional le vino cinco años más tarde con la maravillosa "Un verano con Mónica". "Musik i mörker" data de 1948 y es la cuarta película de su director. Filmax la ha editado en DVD bajo el título de "Música en la oscuridad". Una cinta muy recomendable. Este primer sueño es el del protagonista Bengt, protagonizado por el actor Birger Malmsten, que acaba de recibir un tiro accidentalmente durante el cumplimiento de su servicio militar. Bengt estaba jugueteando con un perrito blanco como la nieve que rodeaba la escena. Y sus sueños tienen una fuerza visual y dramática innegable. Espero que os guste.
Con los bellos ojos de nuestra adorada Janet Agren da comienzo esta desagradable escena de esta película. El mismo Umberto Lenzi fue el realizador de “El país del sexo salvaje”, que supuso la carta de presentación del subgénero caníbal, que tanto dio que hablar a finales de los setenta y principios de los ochenta. Este subgénero, surgido asimismo del “mondo”, contó con Ruggero Deodato y el propio Lenzi como sus máximos artífices.
Pese a que el “Holocausto caníbal” de Deodato es, sin duda, la cinta más famosa de este subgénero, personalmente creo que las películas dirigidas por Lenzi tienen mayor prestancia.
Esta “Comidos vivos”, que según su director, la rodó por razones meramente alimenticias, cuenta con un reparto bastante peculiar: Mel Ferrer abocado en el abismo de su carrera; la ya mentada Janet Agren; el norteamericano Robert Kerman, famoso en el circuito “porno”; la bella Paola Senatore, habitual en comedietas y a la que su adicción a las drogas la llevaron a protagonizar un par de “pornos” también; la anglo-birmana Me Me Lai, asidua a este tipo de cine, y finalmente, Ivan Rassimov, que es el loco que comparte esta escena con Janet.
Rassimov era un actor que me caía especialmente bien. Su rostro anguloso y su mirada penetrante lo hacían ideal para representar a villanos. Algún día hablaremos más sobre este actor, fallecido en 2003, y de su hermana menor Rada, una actriz con un rostro también bastante peculiar.
Pensaba poner la secuencia de la muerte de Paola Senatore, pero su crudeza me ha hecho pensar que duraría en youtube un par de días como mucho.
Pongo en su lugar esta, en la que Rassimov, que en la cinta protagoniza a un loco visionario basado en la figura del "reverendo" Jim Jones, que causó todo un suicidio en masa allá en 1978, perpetra una ceremonia bastante asquerosa sobre la pobre Janet Agren.
Con Renaud Verley, Viveca Lindfors, Alfredo Mayo, Maribel Martín, Nuria Gimeno, Christine Betzner, Saturno Cerra, Nicole Vesperin, Erasmo Pascual, Antonio Puga, Juan Cazalilla, Tito García, Rosetta Vellisca, Ángel Blanco y Susana Latour.
Juan ha estado una larga temporada encerrado en un psiquiátrico por culpa de su tía. Ahora, en compañía de su inseparable Ducati, ha salido en busca de venganza contra ella y sus tres hijas, con las que mantiene una relación un tanto equívoca.
De nuevo, el guionista Santiago Moncada reincide en la escabrosidad que con anterioridad había retratado en “La corrupción de Chris Miller” (Juan Antonio Bardem). Su truculento guión toma como modelo más reconocible el “Psicosis” de Robert Bloch, al que adorna con una gran variedad de referencias a otros autores, con Poe a la cabeza.
La dirección de la película recae en el sevillano Claudio Guerín Hill, prometedor realizador que ya había obtenido un sustancioso éxito dos años antes con “La casa de las palomas”, amén de haber participado en el filme de episodios “Los desafíos”, junto con Víctor Erice y José Luis Egea.
Pero la fatalidad se cruza en el camino de Guerín cuando el último día de rodaje se precipita al vacío desde el campanario de la iglesia de San Martiño en la población coruñesa de Noia y pierde la vida. Este suceso crea un aura de malditismo en torno a la película, que si no me equivoco, nunca ha sido editada en DVD en nuestro país, mientras que en los EE.UU. ya han salido ediciones especiales. Sí recuerdo la antígua edición en vídeo con una carátula en la que aparecían unas cuencas oculares sangrientas que resultaba muy vistosa.
“La campana del inferno” es una película desconcertante. Posee una atmósfera característica del cine de terror, pero no se puede encuadrar con exactitud en dicho género. Es más un drama con elementos de grand-guignol. En cualquier caso, la dirección de Guerín muestra una pretenciosidad exagerada y comete errores de bulto propios de un realizador novel, como se observa cuando coloca la cámara en los sitios más insospechados, con el único resultado de resaltar la artificiosidad de las imágenes. Abusa también de la cámara subjetiva y en una escena, no sé si voluntariamente, destroza esa subjetividad de una manera absolutamente bochornosa. Pese a todos estos desaciertos, no cabe duda de que cuenta con imágenes muy atractivas y que todo lo referente a la escenografía ha sido cuidado al máximo detalle. La casa de nuestro enloquecido protagonista es una especie de zoo, repleta de animales y en el que no paran de revolotear las palomas (¿homenaje a su anterior largometraje?) y su sótano guarda una especie de matadero casero que tendrá como involuntarias huéspedes a sus tres primas, en una de las mejores secuencias del metraje.
Una de las singulares escenas de la película.
La película también tiene sus escenas sangrientas, como aquella en la que Juan, que cuenta con un sentido del humor de muy dudoso gusto, se saca los globos oculares (falsos) y consigue que una mujer se desmaye. En otra escena, el bromista de Juan lleva a su tía minusválida ante unas colmenas, la rocía con un líquido y agita a las abejas, con el resultado que cabe esperar. Pero sin duda, las escenas más enervantes son las del matadero, en el que se puede ver con todo lujo de detalles como sacrifican varias reses. Y es que ver como matan a animales, a mí me pone muy nervioso, y Guerín se recrea en demasía con la sangre de los pobres animales.
El bromista de Juan.
Película desigual, con demasiadas pretensiones pero interesante por su condición de rareza, de algo no demasiado visto en el panorama del cine español de los setenta, y en la que se puede entrever también alguna lectura política (Alfredo Mayo y sus amigos tañendo la campana después de apartar a los monaguillos).
En cuanto al actor principal, el francés Renaud Verley no es que lo haga mal, pero creo que se necesitaba un actor que resultara más simpático para el público. En mi opinión era un papel ideal para David Rocha, cuya locura provocaba mayor empatía en "El asesino de muñecas". Del resto del reparto, destacan a mucha distancia los veteranos Alfredo Mayo y Viveca Lindfors, que están sobresalientes. También hay que mencionar a la dulce Maribel Martín, de la que tan pocos directores han sabido aprovechar su talento.
Lograda atmósfera.
Clasificación: 5 sobre 10.
¿Sabías que…?
Tras la trágica muerte de Guerín, la película fue finalizada por Juan Antonio Bardem, que ya había trabajado y volvería a trabajar con Renaud Verley.
Pilar Miró, que por entonces mantenía una relación amorosa con el realizador, visitó Noya ese mismo año para ver el lugar en el que había fallecido Guerín. (Por cierto, la Miró también había tenido un idilio con Enzo G. Castellari, otro realizador nada ajeno al género terrorífico, género que se encargó de eliminar con su llegada a la Dirección General del Cinematografía).
Este vídeo fue realizado por Iván Zulueta para el programa Último grito, allá en 1969. Un programa musical transgresor dirigido y realizado por Pedro Olea y el propio Zulueta, y presentado por José María Iñigo y Judy Stephen. Un programa imposible en la televisión española de hoy en día, tan acomodada en su estulticia. Esta recreación del "Get back" de los Beatles anda por el emule e ignoro a quien le debemos ese favor, pues el archivo no lleva firma. De todos modos, gracias.
Ese mismo año, Zulueta rodaba "Un, dos, tres, al escondite inglés", con Iñigo y Stephen en el reparto.
El doctor Hichcock se enorgullece de publicar su primera entrevista. Una entrevista que ha sido posible gracias a las facilidades obtenidas por José Marzilli, representante de la actriz, y por supuesto y especialmente, a la propia May, que ha demostrado conmigo una amabilidad y una paciencia sin límites. De hecho, la fotografía que encabezaba mi anterior post me la proporcionó ella misma.
Nuevamente, muchas gracias, May.
¿Cuándo supo que quería ser actriz?
Llegué a España con 11 años. Mi padrastro era catalán. Regresé a Estados Unidos cuando tenía 15 años. En España había querido ser torera. Estaba muy descentrada y me apunté al grupo de Drama de mi escuela.
¿Y cuáles fueron sus siguientes pasos?
Estuve muy activa en "Drama" y fui elegida para hacer un curso de verano donde participaban jóvenes de toda California. Allí conocí a Linda Evans, Carol Williams, David Gieler (escritor) y a un grupo que cambió de escuela el último año para poder continuar juntos con un excelente profesor. Cuando me gradué busque un representante en The Paul Kohner Agency, y empecé estudiar con Rudy Solari, un discípulo de Strasberg. Enseguida conseguí papeles en Televisión.
¿Cómo llega a España una americana como usted y cuándo decide establecerse en nuestro país?
Quería irme a España para ver a mi padre y conocí a la representante Marina de Mier. Comencé a trabajar en "Los Cálices de San Sebastián" (más tarde "Los dedos del destino") con Tab Hunter. Así que decidí probar suerte en España.
Una de sus primeras películas en nuestro país fue "Torrejón City", una parodia del western dirigida por el argentino León Klimovsky. No he visto la película, pero sí unas cuantas fotos y está usted muy bella. ¿Qué recuerdos guarda de aquel debut?
Entablé una gran amistad con León y su mujer Erica. Tony Leblanc era un encanto.
Con Klimovsky hizo varias películas más. Tenía fama de ser un hombre muy culto. ¿Qué nos puede decir de él?
Leon Klimosky sí que era culto, encantador y tenía un gran sentido del humor. Me hacía mucha gracia como aprendió inglés. Había sido pincha-discos en Argentina y se aprendía de memoria las canciones en inglés. De repente te decía algo como "It's been a hard days night".
Klimovsky la dirigió en "Ella y el miedo", donde usted es la protagonista total.
Con "Ella y el Miedo" tuve que hacer una prueba delante de varios de los productores de la película, todos ellos en traje y corbata en una oficina. Me dijeron: "Haz algo de miedo". Yo me imagine una araña negra, gorda y peluda y casi me da un ataque contra la pared y tirada en el suelo hasta que me gritaron: "¡Ya, ya, fenomenal!". Gracias a Stanislavski.
También trabajó con Julio Coll en "Los muertos no perdonan", una película bastante extraña que supuso su primer trabajo al lado del actor Javier Escrivá, con el que coincidiría en más de una ocasión. ¿Qué nos puede decir de esta película?
Me gustó mucho trabajar con Julio y con Javier. Casi me enamoro de él. Me acuerdo del frío en Soria con botellas de agua caliente en la cama y lo que es no quitarse la ropa de calle ni para dormir.
Después de participar en la coproducción "El dedo del destino" en 1967, estuvo seis años sin rodar ninguna película. ¿A qué se dedicó durante este período?
Me casé y tuve 2 hijas. Mi marido machista no me dejaba trabajar.
En 1973 vuelve con un par de películas de género. ¿Le gusta el cine de terror?
Me había separado y acepté cualquier cosa para poder volver a trabajar. No me gusta el cine de terror. Me lo creo todo y me da mal cuerpo trabajar con sangre, aunque sea falsa.
En "Un par de zapatos del 32" coincidió con Ray Milland. ¿Qué recuerda de él?
Ray Milland era un gran caballero. Me hizo girar un poco antes del plano y me dijo en voz baja: "Así te tendrán que hacer un primer plano". Me gustó mucho su generosidad. Me acuerdo que le regalé "Cien años de Soledad" en inglés, dedicado dándole las gracias por haberse portado tan bien conmigo durante el rodaje.
El reparto de "El asesino está entre los trece" era espectacular. Usted coincidiría con gran parte de él en películas posteriores, como es el caso de Carlos Estrada, Ramiro Oliveros o sus compatriotas Jack Taylor y Patty Shepard. ¿Esto era fruto de la casualidad o era intencionado?
Siempre volvías a encontrarte con la misma gente. Te olvidaste de Carmen Maura y Eusebio Poncela, que participaban también en la película. El cine de entonces era bastante pequeño.
¿Fue complicado el rodaje de "Los cazadores"?
Para mí no. Allí me hice amiga de Conchita Cuetos.
En "El paranoico" tiene un papel bastante importante. Esta fue una de las escasas ocasiones en que el productor Francisco Ariza, que era cuñado de Ignacio F. Iquino, se puso tras las cámaras. ¿Cómo fue la experiencia?
De risa. Se rodó en inglés y nadie lo hablaba excepto el protagonista y yo. Casi no podíamos rodar a veces porque no entendíamos el inglés de los demás actores y nos entraba la risa. El productor se suicidó poco después. Muy triste. Era joven y guapo. Nos lo pasábamos en grande durante y después del rodaje.
En "Manchas de sangre en un coche nuevo" trabajó con dos artistas de la talla de Lucía Bosé y José Luis López Vázquez. A mí me parece una película fallida. ¿Cuál es su opinión?
No se porque falló. Pienso que la idea no era mala, pero en vez de ser un drama psicológico, Antonio prefirió seguir con imágenes no muy acertadas, como la del asiento del coche en el que brota sangre. No tenía mucho sentido. Debería haber sido más sutil.
En "La lozana andaluza" está usted muy guapa, con todos esos vestidos de época.
Gracias.
La lozana andaluza.
Una vez muerto Franco, el cine español se embarcó en una espiral de cine erótico, de la cual usted pasó de puntillas. Muchas actrices no dudaron en desnudarse en películas de muy baja calidad. La vimos en "Susana quiere perder...eso". ¿No fue tentada por los productores para intervenir más en este tipo de cine?
No quería hacer desnudos. Pensaba como ahora que mis hijos lo podrían pasar mal en el colegio. Perdí muchas películas por esta razón.
¿Qué tal Carlos Aured?
No me acuerdo.
"Caperucita y roja" es una película bastante demencial. ¿Qué opina de ella?
Victoria Abril fue una mala compañera y yo estaba muy nerviosa. En vez de echarme un cable (cualquier actor puede tener un mal día), se portó como si yo fuera una imbécil. Tuve un rodaje difícil. Nunca he visto la película.
En 1979 rueda una superproducción europea, "De Dunquerque a la victoria", con Jean-Pierre Cassel, Capucine, Howard Vernon... ¿Se adaptó bien a este tipo de rodaje?
Fue un rodaje muy agradable, sobre todo porque se rodó en París.
En "Virus" se convierte en caníbal. ¿Qué nos puede contar de esta cinta?
"Virus" la recuerdo con horror. El productor y el director eran espantosos. Un día llego el director con una bolsa de despojos del matadero para darle más "realismo". Querían que en vez de morderle la lengua al actor que interpreta al médico, le mordiese el pito. Todos los actores, incluido John Saxon, nos negamos a convertir una película mala en mala y asquerosa. Yo quería hacer la película para poder tener el dinero necesario para montar mi exposición de pintura y para coincidir con mi novio en Roma. Lo pasé muy mal en el rodaje.
La escena en cuestión.
¿Qué clase de persona es Giovanni Lombardo Radice?
Era muy simpático. Él y una amiga mía que me visitaron en Atlanta fuimos juntos a ver todo lo interesante de por allí. Era muy divertido. Además, si no fuera por él lo hubiese pasado todavía peor en el rodaje. El día en que el productor vino con una bolsa de despojos para dar mayor "realismo" casi me desmayo. Todos nos rebelamos juntos (John Saxon más que nadie), por la escena que te he explicado. ¡¡Que asco!! ¡GANAMOS!
¿En qué se diferencia la manera de rodar de Umberto Lenzi y de Antonio Margheriti? ¿Con quién estuvo más cómoda?
Con Lenzi. Ya te he dicho lo que pienso de Margheriti.
En 1981 rueda "Carlota" a las órdenes de Stefano Rolla. ¿Qué clase de persona era? Hace unos pocos años falleció en Irak en un atentado con bomba.
¡Qué horror! Me gustaba mucho. No sé que pasó con esa película. Nunca la vi.
Ese mismo año debuta en la dirección con el cortometraje "El tiovivo". ¿Le tentaba dirigir?
Siempre he escrito y quería llevar a la pantalla cosas mías. De hecho, los cuatro cortos que he dirigido los he escrito yo. Tengo varios proyectos.
¿Qué prefiere, dirigir o actuar?
Las dos cosas. Me gusta dirigir teatro.
Actriz y directora de cine y televisión, pero también de teatro. Además también escribe: un relato suyo, "La calle del pensamiento", fue finalista del II Premio Ana María Matute. Es usted una artista total.
Y también soy pintora y escultora. Y lo más importante...tengo 4 hijos.
¿Qué recuerda de "Mil gritos tiene la noche" y de Juan Piquer?
Tenía prisa para ir a una cena y me tuvieron media noche con higaditos alrededor del cuello. Se suponía que mi cabeza estaba en el armario.
En "Virus" rodó en las alcantarillas y en "El ataque de los pájaros" es asesinada por unas palomas. ¿Le gustan los papeles difíciles?
Me gustan los papeles difíciles. He muerto de un tiro, estrangulada, con una flecha, de la plaga, de neumonía, me han cortado los dedos y la cabeza y me han atacado pájaros, pero todo esto no me divierte nada. De hecho, le dije a Katrina Bayonas (mi representante en aquel momento), que no lo quería hacer nunca más. Me engañó con "Al filo del hacha".
¿Qué clase de director era José Ramón Larraz?
Bien... Nada especial como director de actores.
Larraz en una entrevista se mostró bastante resentido con la gente que maneja ahora el cine, que impiden que vuelva a ponerse tras las cámaras. ¿El cine español ha cambiado para bien o para mal?
Para bien. Ya pasó lo del desnudo gratuito, la guerra civil (casi) y todo lo que fue la liberación de la dictadura. Ahora se están haciendo cosas mas internacionales o al menos más originales, como las películas de Pedro Almodóvar y un montón de directores nuevos. Creo que se repiten demasiado los mismos actores... es como un club, y hay mucho talento en este país.
¿Considera que el cine la ha tratado bien?
Como yo al cine; un amor esporádico. Creo que puedo hacer mucho todavía.
En "La vida láctea" hubo bastantes problemas entre el director y el productor. ¿Cómo recuerda todo aquello? Me acuerdo de las imágenes de Marianne Sägebrecht a punto de llorar.
El productor dijo sobre el director: "él quiere un Cadillac y solo hay dinero para un Seiscientos". Me encantó trabajar con Marianne. Nos llevamos muy bien y le cogí mucho cariño. Es una pena que no hubiese para un Cadillac.
Me encanta su actuación en "Dama de Porto Pim". ¿Qué opina de esta película?
El guión original parecía interesante, pero se cortó demasiado y nunca hubo una relación autentica entre los protagonistas. Demasiado serio, sin momentos ligeros para romper.... Yo tenía una escena preciosa, cuando estoy partiendo para Europa y llega mi hijo herido, pero vivo. Descuidó mucho los personajes secundarios, que son los que dan riqueza a una película. Muy buen director de actores, pero el guión al final..........
La dama de Porto Pim.
Sus últimos trabajos han sido superproducciones. El ritmo de trabajo es absolutamente diferente al de décadas anteriores. ¿Cuál prefiere?
Lo de ahora. Se parece mas al teatro, con varias cámaras y puedes ver tu trabajo en el monitor y corregir cosas.
¿Cuáles son sus próximos proyectos?
Seguir con todo... como actriz, directora, escritora..... ¡A por todas!
Tras más de cuatro décadas en el mundo del cine, ¿se arrepiente de algo?
Esta actriz norteamericana viene trabajando en nuestro país desde hace más de cuatro décadas, y pese a ello resulta una odisea encontrar información sobre ella en internet. Intentaremos dar a conocer a una actriz sutil y con mucho talento, una mujer polifacética y muy trabajadora.
De orígenes españoles, se estableció en nuestro país a principios de los años sesenta. Ya en los Estados Unidos había participado en algunas obras de teatro y series de televisión. En 1962 debuta en nuestro cine bajo la batuta de León Klimovsky con “Torrejón City”, una parodia de los “westerns” que se anticipó a la fiebre del género iniciada a raíz del éxito de las películas de Sergio Leone. En ella compartía protagonismo con Tony Leblanc.
Pese a no ser muy aficionada al cine de terror, en su carrera abundan los títulos de tal género, en el que muy tempranamente se embarcó con títulos como “Ella y el miedo”, “El asesino está entre los trece” y “Un par de zapatos del 32”, que si bien no pasan por ser películas expresamente de terror, si lo merodean en más de una ocasión.
Durante los años setenta alterna trabajos con los directores más comerciales (Pedro Lazaga, Pedro Masó, Vicente Escrivá…) con producciones más personales como “Manchas de sangre en un coche nuevo”, de Antonio Mercero, o “El paranoico”, de Francisco Ariza. También participa en producciones internacionales rodadas en inglés en España. Así, también trabaja con realizadores como Peter Collinson, Alan J. Pakula y Umberto Lenzi.
El auge del cine “gore” a principios de los ochenta hacen que May participe en “Mil gritos tiene la noche”, del valenciano Juan Piquer, en el que interpreta en el prólogo de la película a la rígida madre del futuro asesino. En “Virus”, de Antonio Margheriti, daba vida a una enfermera a la que Giovanni Lombardo Radice convierte en caníbal. Durante el rodaje de esta cinta, May tuvo algún problemilla con el director.
Es en esa época en la que May Heatherly debuta como realizadora de cortometrajes con “El tiovivo” (1981), que es presentado en la Mostra Internacional de Cinema de Sao Paulo.
A finales de la década vuelve al “gore” con las flojas “Al filo del hacha”, del veterano José Ramón Larraz y “El ataque de los pájaros”, co-producción con México, ambas rodadas en inglés. Al mismo tiempo sigue dirigiendo cortometrajes, interpretando y dirigiendo obras de teatro, apareciendo en series de televisión e, incluso escribiendo relatos, pintando y esculpiendo. May demuestra ser una mujer sobradamente versátil.
En estos últimos años ha aparecido en ambiciosas producciones como “Los fantasmas de Goya”, de Milos Forman o la adaptación de la novela de Mario Vargas Llosa “La fiesta del chivo”, dirigida por el primo del escritor, Luis Llosa y en la que compartía escenas con Isabella Rossellini.
Actualmente está rodando “La conjura de El Escorial”, la nueva película de Antonio del Real, cuyo rodaje comenzó hace dos días y en la que compartirá pantalla con actores como Julia Ormond, Joaquim de Almeida, Jürgen Prochnow y Fabio Testi, entre otros. Esperemos que tenga mucha suerte con este “thriller”.
FILMOGRAFÍA:
1961 "Hawaiian eye".
"My three sons".
1962 Torrejón City (León Klimovsky).
"Gunsmoke".
1963 Los muertos no perdonan (Julio Coll).
1964 Ella y el miedo (León Klimovsky).
"The man from U.N.C.L.E."
1967 El dedo del destino (Richard Rush).
1973 Un par de zapatos del 32 (Rafael Romero Marchent).
El asesino está entre los trece (Javier Aguirre).
Love and Pain and the Whole Damn Thing (Alan J. Pakula).
1974 El talón de Aquiles (León Klimovsky).
Los cazadores (Peter Collinson).
1975 Vida íntima de un seductor cínico (Javier Aguirre).
El paranoico (Francisco Ariza).
Manchas de sangre en un coche nuevo (Antonio Mercero).
Yo soy Fulana de tal (Pedro Lazaga).
1976 La lozana andaluza (Vicente Escrivá).
Ambiciosa (Pedro Lazaga).
"Curro Jiménez".
The story of David (David Lowell Rich).
1977 Susana quiere perder eso (Carlos Aured).
La menor (Pedro Masó).
Caperucita y roja (Luis Revenga y Aitor Goiricelaya).
1979 De Dunquerque a la victoria (Umberto Lenzi).
1980 F.E.N. (Antonio Hernández).
Virus (Antonio Margheriti).
1981 Carlota: Amor es veneno (Stefano Rolla).
El tíovivo -Corto- (Directora).
1982 Mil gritos tiene la noche (Juan Piquer Simón).
La hija rebelde (Gustav Ehmck).
Mi jardín -Corto- (Directora).
1983 Juego de poder (Fausto Canel).
Son solo dos días -Corto- (Directora).
1986 Corazón de cristal (Gil Bettman).
La niña -Corto- (Directora).
1987 El ataque de los pájaros (René Cardona Jr.).
1988 Al filo del hacha (José Ramón Larraz).
1991 "Farmacia de guardia".
1992 La vida láctea (Juan Estelrich Hijo).
1993 "Los ladrones van a la oficina".
"Lleno, por favor".
1995 "Médico de familia".
1996 "Este es mi barrio".
1999 La justicia de los forajidos. (Bill Corcoran).
Informa Vick Campbell que su última realización, "El monte de las ánimas", cinta que homenajea a la figura de Amando de Ossorio y sus templarios, se podrá ver en el próximo Festival de Sitges. Será el domingo siete de octubre a las siete de la tarde en la sala Brigadoon. Gracias Víctor, que tengas mucha suerte.
4 de agosto. Lee Hazlewood: El inolvidable compositor de “These boots are made for walkin'” falleció a principios de mes. Escribió canciones para Dean Martin y para Frank Sinatra, pero su colaboración más fructífera vino de la mano de la hija de este, Nancy. En 1966, Nancy Sinatra debutaba con un disco de versiones entre la que se contaba “These boots…”. Dos años más tarde, se editaba “Nancy & Lee”, el primero de varios discos que grabaron a dúo. En cine, tuvo un relevante papel en "El infierno del whisky" (Richard Quine, 1970) y colaboró con el realizador Torbjörn Axelman en un par de cintas durante la época en que estuvo viviendo en Suecia.
5 de agosto. Peter Graham Scott: Realizador británico de cine y televisión que pongo únicamente por haber dirigido el primer episodio de una serie que forma parte de mi niñez, y supongo que la de mucha gente: “Dentro del laberinto” (¿no recordais a Rothgo?). No, en serio, Scott fue uno de los grandes realizadores de la televisión británica, como atestiguan varios episodios de las míticas series “Danger man” y “Los vengadores”. En cine dirigió películas como “Perseguido” (1953), “Ladrón a la fuerza” (1963), “Subterfugio” (1968) y uno de los títulos “Hammer” menos conocidos: “Captain Clegg” (1962).
8 de agosto. Melville Shavelson: Escritor y realizador neoyorquino. Sus películas más populares fueron “Aventura en Roma” (1962), “La sombra de un gigante” (1966), “Tuyos, míos, nuestros” (1968) y “Guerra entre hombres y mujeres” (1972). Fue dos veces candidato al “Oscar” al mejor guión por “The seven little foys” (1955) y “Cintia” (1958), también dirigidas por él. Su autobiografía tiene el divertido título de "How to Succeed in Hollywood Without Really Trying, P.S. -- You Can't!"
11 de agosto. Richard Compton: Realizador de cine y televisión norteamericano. Comenzó como actor (en la foto lo vemos caracterizado para la serie "Star Trek"). Ya como director, su trabajo más prestigioso fue “Macon County Line” (1974). En España únicamente se estrenó una obra suya: “El planeta de los buitres” (1979). Después de esta película se dedicó enteramente a la televisión (Corrupción en Miami, Expediente X...). Estaba casado con la actriz Veronica Cartwright.
Franz Antel: A los 94 años ha fallecido este muy trabajador realizador austríaco. Mujeriego y con fama de haber tenido un pasado nazi, Antel se especializó en un cine popular que a partir de los años sesenta fue adquiriendo tintes eróticos. Para estos títulos utilizó el seudónimo de François Legrand. Su mayor éxito vino de la serie de películas iniciadas con “Der bockerer” (1981), de marcada carga antifascista y anticomunista. En nuestro país se estrenaron, entre otras, “El archiduque y la costurera” (1956), “Pasión sobre el hielo” (1964), “Los pecados de la casta Susana” (1969), “El diablo en el convento” (1973), “Casanova” (1977) y “Johann Strauss” (1987).
14 de agosto. Eduardo Noriega: Ejem…, sí, Eduardo Noriega. Veterano actor mejicano con más de cien títulos en su haber. Característico de un cine popular, del que fue galán en los años cuarenta, su manejo del inglés le llevó a Hollywood de la mano de la R.K.O. para ponerse a las órdenes de realizadores como Phil Karlson, Budd Boetticher o Henry King. Entre sus últimos trabajos se cuenta un “remake” de “Yo hice a Roque III”. Así de chipitirifláutico.
15 de agosto. Max Roach: Reconocido percusionista de jazz. Trabajó en diversas ocasiones con Dizzy Gillespie, Charlie Parker y Miles Davis. Tiene una pequeña aparición en “Carmen Jones” (Otto Preminger, 1954).
27 de agosto. Emma Penella: Esta extraordinaria actriz de cine, teatro y televisión inició su carrera cinematográfica a principios de los años cincuenta. Destacó notablemente en “Carne de horca” (Ladislao Vajda, 1953), “Cómicos” (Juan Antonio Bardem, 1954), “Fedra” (Manuel Mur Oti, 1956) y “El verdugo” (Luis Gª Berlanga, 1963). Casada con el productor Emiliano Piedra. En 1974, protagonizó, no sin cierta polémica en base a su idoneidad para el papel principal, “La Regenta” (Gonzalo Suárez). Después de esta película se retiró momentáneamente del cine para regresar diez años más tarde. Vivió una segunda juventud gracias a la serie “Aquí no hay quien viva”.
28 de agosto. Francisco Umbral: Un escritor que no necesita ninguna presentación. Premio Príncipe de Asturias en 1996 y Planeta en 2000, tras una dilatada carrera. En cine, participó prestando su voz en “Dolores” (J.L. García Sánchez y A. Linares, 1980) y su figura en “Franco, un proceso histórico” (Eduardo Manzanos, 1980) y en el corto “El tropezón” (Juan Antonio Bretón, 1978).
30 de agosto. José Luis de Villalonga: De familia aristocrática, a principios de los cuarenta comenzó a escribir para distintas publicaciones. También ha publicado numerosos libros, como la biografía del Rey Juan Carlos I. En cine, solía interpretar a galanes de alta cuna. Trabajó para Louis Malle, Blake Edwards, Luis Gª Berlanga, Agnès Varda, Federico Fellini y Luigi Comencini, entre otros. Así que un respeto. Eso sí, psicotrónica su intervención en “Escarabajos asesinos” (Steven-Charles Jaffe, 1984).
Valeria y la semana de los milagros (Jaromil Jireš, 1970).
Comenzamos el nuevo curso con una escena de esta maravillosa película checa. Lo cierto es que cualquier fragmento de ella hubiera servido para ilustrar este post, pues la cinta de Jireš es todo un frenesí visual de una belleza inaudita, pero finalmente he optado por la escena de la menstruación, escena que a la postre resulta crucial, pues todo lo que sigue gira alrededor de ella. Pocas veces se ha visto en pantalla una menstruación. Quizá la más famosa es la secuencia de "Carrie" (Brian de Palma, 1976) en la que Sissy Spacek sangra por primera vez en las duchas de su instituto. En la película que nos ocupa esta situación está resuelta con brillantez y esa carga simbólica omnipresente durante todo el metraje. Basada en la novela homónima de Vítězslav Nezval, padre del Surrealismo en Checoslovaquia, "Valerie a týden divů" adopta, sin embargo, elementos góticos y simbólicos ajenos a este movimiento. La película recrea las sensaciones de Valerie al abandonar la niñez en la noche de su primera menstruación. Todo ello resaltado en una trama onírica de colores saturados que resulta fascinante. Interpretada por la etérea Jaroslava Schallerová, que contaba por entonces con trece años de edad, esta película es una de las cumbres de lo que fue llamada la nueva ola del cine checo, representada por nombres tan notables como Karel Kachyna, Juraj Jakubisko, Jan Svankmajer, Jirí Menzel y Juraj Herz, entre otros. En España conoció un fugaz estreno en 1978, que se saldó con la desoladora cifra de poco más de trescientos espectadores. Una película de culto, con una música extraordinaria a la que unos músicos de Philadelphia han intentado rescatar del olvido, como se atestigua en su página web
